Библиографическое описание статьи для цитирования:

Юхнович В. И. Л. Н. Толстой и искусство театра // Научно-методический электронный журнал «Концепт». – 2015. – Т. 13. – С. 3216–3220..htm.

Аннотация. Понятие искусства, применимое к театру, – довольно сложная и оригинальная составляющая в эстетических представлениях Л. Н. Толстого. Привычное для нас словосочетание «искусство театра» у писателя явно разделено: есть искусство и есть театр. Считал ли Лев Николаевич Толстой театр искусством?

Текст статьи

Юхнович Вячеслав Иванович,кандидат филологических наук, доцент кафедры сервиса и менеджмента филиала ФГБОУ ВПО «Санкт –Петербургский государственный экономический университет» в г. Старая Русса Новгородской области, г. Старая Русса[email protected]

Л. Н. Толстой и искусство театра

Аннотация.Понятие искусства, применимое к театру, –довольно сложная и оригинальная составляющая в эстетических представлениях Л.Н. Толстого. Привычное для нас словосочетание «искусство театра» у писателя явно разделено: есть искусство и есть театр. Считал ли Лев Николаевич Толстой театр искусством?Ключевые слова: искусство, театр, драматическое произведение, жанр, драматург, писатель.

Тема «Л.Н. Толстой и театр» литературоведами практически уже исчерпана. Это понятно: драматургическое наследие Льва Николаевича довольно скромно по объёму, и искушение подвергнуть его исследованию поэтому очень велико, что и случалось не раз . Однако искушение вновь обратиться к этой теме, имея в виду какойто новый подход, замеченные белые пятна, остаётся. Существует и ещё одна потребность/возможность этого вечного искуса: оставить хотя бы штрихна этой теме…Понятие искусства, применимое к театру, –довольно сложная и оригинальная составляющая в эстетических представлениях Л.Н. Толстого. Именно поэтому следует в очередной раз рассмотреть его отношение к публичному лицедейству–теперь уже с точки зрения пониманиятого, что принято считать и называть искусством театра. Словосочетание это, достаточно привычное для всех нас, у Толстого явно разделено на две его составляющие: есть искусство и есть театр. Но, оказывается, там и понятия театра как такового нет…Кроме того, даже сейчас ещё существует потребность теоретизировать то литературное наследие, которое Толстой написал в стиле драматургии. Например, до сих пор может представлять интерес вопрос классификации драматическихпроизведений писателя.У Толстого, как известно, десять, вместе с незаконченными,драматических произведений. Причём, создавались они на протяжении сорока пяти лет, что может говорить о своеобразной приверженности Толстого к драматическому роду литературы: «Зараженное семейство» (1864); «Нигилист» (1866); «Драматическая обработка легенды об Аггее» (1886); «Первый винокур, или Как чертенок краюшку заслужил» (1886); «Власть тьмы, или Коготок увяз, всей птичке пропасть» (1886); «Плоды просвещения» (1890); «Петр Хлебник» (1894); «И свет во тьме светит» (1890-1900); «Живой труп» (1900); «От ней все качества» (1910).Можно предложить разные критерии подхода к классификации драматических произведений Толстого, например:незаконченные и законченные;по времени написания: пьесы 60 –х, 80 –х, 90 –х годов 19 века и пьесы начала 20 века;по ориентации на народный или профессиональный театр; и, может быть, другие…Возможно, мы ещё вернёмся к означенной проблеме, но сейчас нас будет занимать другой вопрос:Считал ли Л.Н. Толстой театр искусством?Конечно же, ответ на этот вопрос должен базироваться на эстетических взглядах писателяи, в частности, на понимании им феномена искусства. Прямое обращение к этой тематике представлено в известном трактате писателя «Что такое искусство?», вышедшим в свет в1897 году.Напомним толстовское определение принципа создания художественного произведения, которое он сформулировал в упомянутом трактате: «Вызвать в себе раз испытанное чувство, и…передать это чувство так, чтобы другие испытали то же чувство…» . То есть, по Толстому, задача искусства, его движущая сила и состоятельность –это передача чувстваот того, кто его вызвал в себе, однажды испытав,другим, но так, чтобы они его тоже испытали.

Но считал ли Лев Николаевич театр искусством?Ответ на этот вопрос звучал уже не раз, в разных формулировках, одна из которых содержится в комментариях к одиннадцатому тому22х томника Л.Н.Толстого, где собраны его драматические произведения: «Но театр как искусство условное часто казался Толстому грубой имитацией жизни…».В своих художественных произведениях Лев Николаевич довольно недвусмысленно показывал, что считает театр синонимом фальши, неестественности.Хрестоматийной иллюстрацией этой цитаты является сцена посещения Наташи Ростовой театра во втором томе «Войны и мира», которую В. Шкловский в своей известной статье «Искусство как приём» приводит как один из примеров остранения: «На сцене были ровные доски посередине, с боков стояли крашеные картины, изображавшие деревья, позади было протянуто полотно на досках… . В. Шкловский пишет: «Прием остранения у Л. Толстого состоит в том, что он не называет вещь ее именем, а описывает ее, как в первый раз виденную…» .Приём остранения писатель(вольно –невольно) применяет и в своих драматических произведениях. Например,в «Плодах просвещения» кухарка так рассказывает мужикам о жизни хозяев:«…Кухарка. Такто и я, дяденька, глянула: что ж это?-все телешом…

Так ведь что: как вдарит музыка, как взыграли,-сейчас это господа подходят каждый к своей, обхватит и пошел кружить…».То есть, можно говорить о том, что писательская техникаТолстого не очень меняется при обращении к другому, драматическому, жанру, хотя отношение к нему, как мы видим, было особое.Это, как раз, очень важно в свете рассмотрения объекта нашего исследования.Связь романического творчества писателя с его драматической литературой–связь естественная, потому что Толстой –романист в ходе своей основной работы должен был как то интерактивно(как сейчас принято говорить) реагировать на позывы времени с её общественной атмосферой или, например, на житейско –семейные обстоятельства. Кстати, проба драмы на вкус–это, как разприходится и навремя написания «Войны и мира». «Зараженное семейство»создавалось примерно в тот же период, что и второйтом знаменитогохудожественногопроизведения. Общественную атмосферу реального времени, на которую хочется реагироватьдостаточно быстро, в создаваемый роман–эпопею, по вполне понятным причинам, не вставишь–важны актуальность и быстрота реакции. Но под рукойимеется тот жанр, который может стать и быстрой реакцией на интересующие тебя события, и, кроме того,возможностью собрать достаточно солидную аудиторию. Таковы и «Зараженное семейство» как весьма показательное высказывание на темы известных произведений И. С. Тургенева, Н.А. Некрасова, Н.Г. Чернышевского; падения крепостного права, да и собственных педагогических воззрений; и «Нигилист», название которого говорит само за себя.Обращение к драме в упомянутых только что двух произведениях можно считать своеобразной пробой, пока что не имеющей собственной осознанной и оформленной эстетической базы. Скорее всего, именно поэтому они остались незаконченными.Теоретические суждения о драме появляются у Толстого несколько позднее, в семидесятыегоды. Например, он приходит к такому выводу: «Русская драматическая литература имеет два образца одного из многих…родов драмы:…слабого рода, сатирического, «Горе от ума» и «Ревизор». Остальное огромное поле -не сатиры, но поэзии -еще не тронуто».В восьмидесятых–начале девяностых годов, работая над слабым родом, сатирическим(комедии «Первый винокур, или Как чертенок краюшку заслужил» ,«Плоды просвещения», Толстой начинает осваивать другое, «поле –не сатиры, но поэзии» («Власть тьмы, или Коготок увяз, всей птичке пропасть»; «Петр Хлебник»).Переход от художественной литературык практике публичной проповеди потребовал формы, которая бы наиболее устраивала и удовлетворяла Л.Н.Толстого. Да и атмосфера Нового времени, очень близкая писателю,во многомразделяющему идеи Руссо, требующая идти в ногу с Европой, генерировала вполне адекватные действия,заставляющие просвещать народ наиболее эффективными методами, в том числе с театральных подмостков, с помощью уличных представлений в разных формах, не исключая ярмарок с их традиционными балаганами. Именно такую подачу народу евангельских ценностей представляют собой «Первый винокур, или как чертёнок краюшку заслужил», «Драматическая обработки легенды об Аггее», «Пётр Хлебник» да и «Власть тьмы…», пожалуй, тоже. Отношение к драме у Толстого, как мы видим, весьма своеобразное. Если эпический род для писателя это общение с читателем напрямую при чтении литературного произведения, то с драмой сложнее. Специфика её предполагает общение со зрителем посредством режиссёрской мысли и актерской игры (что и называется очень верно постановкой). Таким образом, при передаче чувства от автора к зрителю адресату вспомним приведённое выше определение принципа создания художественного произведения,

как минимум, появляются два посредника –режиссёр и актёр. Понятно, что в такой ситуации донестичувство автора, не расплескавего, как требует того эстетическая теория Толстого, весьма сложно –это чувство обрастаетличностными ощущениями и насыщается обертонами, идущими от этих посредников. То есть, идеально чисто донести чувство от автора до зрителя практически не представляется возможным.Природа толстовской драматургии замешана именно на прямом воздействии на зрителя, но передаёт он чувство не в виде рефлексии/ переживания, как в своих замечательных романах, а в той лаконичной форме, которая сублимировалась в языке Евангелия и народных пословицах и поговорках. Толстому не нужны режиссёры и актёры нужна публика в виде читателей драматических произведений или их зрителей. Чембольше их будет –тем лучше, –просветительские тенденции здесь тоже важны, но Толстой в отличии от общекультурной европейской традиции пытается просветить народ не в чисто образовательном плане, а морально, буквально навязывая своим читателям –зрителямхристианские заповеди. Что хорошо и что плохо –показывается/разъясняется в самой доступной форме. Балаган, раёк, ярморочное настроение народного единения –вот фон, на котором должны восприниматься христианские ценности, которые Толстой иллюстрирует. Этомыслится как примеры из жизни, в современном понимании своеобразные комиксы на темы морали, которые основаны на христианских канонах и которые по определённым критериям важны для их автора: это мораль Евангелия, Нагорной проповеди, но связанная с пониманием Толстым сущности искусства. Нужно передать чувство, а оно должно стать иллюстрацией к известным христианским канонам или к вершинам народной мудрости пословицам и поговоркам.Однако вернёмся к тому вопросу, который теперь уже становится рефреном:Считал ли Лев Николаевич театр искусством?В вопросе, что Толстой понимает под искусством по отношению к театру, решающую роль играет жанровая принадлежность. Напомним, что теорию драмы он трактует на фоне очень жёсткого секвестирования(цитата писателя по этому поводу приводилась выше), а именно: он ограничивает многие роды драмы всего двумя образцами, присущими русской драматической литературе; низким (комедия) и поэтическим (по сути, все остальные жанры). В данном случае он явно обращается к истокам: античный театр –это театр комедии (низкого) и трагедии (высокого); да, были ещё и мистерии… Правда, оставляя за комедией статус жанра, трагедию он объединяет со всем остальным, завуалировав это нейтральным, хотя и родовым понятием драма. И старается не отходить от своей теории на практике. То, что Толстой называет «Власть тьмы…» драмой –это, конечно, его установка; но, по сути, это трагедия. А «Живой труп», названный драмой, –разве не трагедия? Здесь нужно ещё говорить о том, что античная традиция театра связана с понятием катарсис, которое очень важно для Толстого с точки зрения его трактовки сущности искусства, состоящего в передаче чувства при сохранении иллюзии правдоподобности и чувства такта. Смех и слёзы –самые сильные и наглядные проявления человеческих чувств, и только такт здесь уместен…Так считал ли Лев Николаевич театр искусством?Попробуем ещё раз уточнить/прокомментировать, а, главное, обобщить то, что было сказано выше. Итак, для Толстого театр –это, прежде всего, драматическая литература. Другие театральные жанры (например, балет или опера), не представляют для Толстого эстетического интереса. Собственно драма ближе, она опирается непосредственно на литературный материал, с которымписатель обращался свободно и со знанием дела. Литературная же основа, скажем, того же балета или оперы традиционно представлена либретто, а это, конечно же, не литературное произведение. Условность хороша, но до определённой черты, которая разделяет искусство и искусственность. Либретто оперы или балета –это, конечно, не искусство, как не искусство для Толстого сами опера или балет.Людмил Димитров, упоминая (для сравнения) А.С. Пушкина, Н.В. Гоголя, А.П. Чехова и М. Горького, пишет: «…В отличие от них Лев Толстой -единственный русский автор классического века, оставивший целостную концепцию эстетической функции и предназначения театра». Исследователь связывает заявленную концепцию с двумя известными работами Л.Н. Толстого:трактата «Что такое искусство?» (1883) (на самом деле трактат написан в 1897 году –В.Ю.) и «О Шекспире и о драме» (1903). Суть поэтологического центра в этих трактатахавтор сводитк правдоподобию драматического действия.Таким образом, содержание понятия искусства, как мы уже говорили, оформилась у Толстого фактически в 1897 году. Задача искусства как принцип создания художественного произведения –передача чувства, заражение им. Драматическая литература, как и художественная, может быть искусством, но при определённом условии. Условие это Толстой называет иллюзией: «Художественное…произведение, вособенности драма…должно вызывать в читателе или зрителе иллюзию того, что переживаемое, испытываемое действующими лицами переживается, испытывается им самим…» . Приведённая цитата ещё раз свидетельствуето том, что драматический род сводится для Толстого до драматической литературыв том его понимании, которое было представлено выше, и на первом месте в ряду читатель или зрительвсё –таки стоит читатель.Суть драматического творчества Толстого, на наш взгляд, воплотилась в драму «И свет во тьме светит» (1890-1900). Период написания её –десятилетие, на протяжении которого писатель практически утверждался/утвердился со своей теорией театра и ответом на вопрос: «Что же такое искусство?». Ну а душевные движенияНиколая Ивановича, конечно же, главного героя произведения, прототипом которого стал сам Л.Н. Толстой, содержание его монологов и диалогов, искренность, желание передать чувство при скрытой, но, несомненно, искренной трагедийности –той самой иллюзии

прямая иллюстрация бытийной и эстетической позиций писателя.Таким образом, театр для Толстого тоже искусство, но искусство только в его собственной трактовке и понимании: это та драматическая литература, которая в жанровом отношении может быть представлена низким (комедия) и поэтическим (по сути, все остальные жанры, которые он сам называл драмами) видами. Эта литература, как и художественная, должна заражатьчитателя/зрителя (читатель на первом месте) переживаемыми автором чувствами при следующем условии: этот читатель/зритель испытываетнастоящую иллюзию того, что переживаемое, испытываемое действующими лицами переживается, испытывается им самим.Остаётся добавить, что как бы ни была оригинальна и спорна эстетическая концепция драмы как рода литературы Л.Н. Толстого и её авторское воплощение, она уже оставила и продолжает оставлять весьма достойный и заслуженный след/резонанс в русской и мировой культуре.

Ссылки на источники1. См. работы В. Лакшина, К. Ломунова, П. Громова, В. Шкловского, Ю. Рыбакова, Т. Кузьминской, Г. Бялого, Ю. Лотмана, Б. Эйхенбаума, В. Основина, С. Гинзбург, Л. Димитрова, С. Шульца и др…2. Толстой Л. Н. Полн. собр. соч.: В 90 т. М.; Л., 1954. Т. 30. С. 65.3. Л. Н. Толстой. Собрание сочинений в 22 т. М.: Художественная литература, 1982. Т. 11. С.474.4.Шкловский В.Б. Гамбургский счёт: Статьи –воспоминания –эссе (1914 –1933). –М.: Советский писатель, 1990. –С.66.5. Там же. С.64.6. Л.Н. Толстой. Собрание сочинений в 12 томах. Том 12.Москва, издательство «Правда». 1987. С.144.7. Толстой Л. Н. Полн. собр. соч.: В 90 т. М.; Л., 1954. Т. 48. С. 345.8. Димитров Людмил. Парадокс драматурга (Театр Толстого). Вестник ВГУ. Серия Гуманитарные науки. 2003. № 2. С. 54.9. Там же. С. 5455.10.См. подробнее: Юхнович В.И. «Война и мир» Л.Н.Толстого в историко –функциональном изучении: Монография / научный редактор М.В.Строганов. Тверь: Золотая буква, 2006.108 с.11. Толстой Л. Н. Полн. собр. соч.: В 90 т. М.; Л., 1954. Т. 35. С. 252.

Драматургия А. Н. Толстого

А. Н. Толстой создал свыше сорока пьес – параллельно стихам и художественной прозе, статьям и очеркам. Для театра он работал всю жизнь. А. Н. Толстой дореволюционных и первых послереволюционных лет – это прежде всего комедиограф (не случайно однотомник вышедших в 1918 году пьес так и назывался: «Комедии о любви»). Возьмем ли мы одноактный водевиль «из эпохи крепостного права» «Нечаянная удача» (1911), «арлекинаду в одном действии» «Молодой писатель» (1913) или «Насильники» (1913), первую из поставленных на сцене профессионального театра пьес А. Н. Толстого, а также и последовавшие затем «Выстрел» («Кукушкины слезы») (1914), «Нечистую силу» (1915), «Ракету» (1916), «Касатку» (1916), «Горький цвет» («Мракобесы») (1917), – все они сходятся, во-первых, в том, что конфликты и нравственно-психологическая окраска комически заострены, и, во-вторых, в том, что написаны они на основе крепкой реалистической традиции.

Известно, что Толстой вошел в русскую литературу прежде всего как автор заволжского цикла рассказов и повестей, которые получили высокую оценку М. Горького. Известно и то, что путь к реализму заволжского цикла не был легким: начинающий прозаик прошел школу упорного ученичества. Нечто подобное произошло и с Толстым-драматургом: в первых драматургических опытах отчетливо напоминает о себе влияние театра символистов, слышны отзвуки споров о путях драматургии и театра, характерные для девятисотых и начала девятьсот десятых годов.

Все это чрезвычайно заметно в одноактной пьесе-сказке «Дочь колдуна и заколдованный королевич» (1908–1909), – первом напечатанном драматургическом произведении писателя. Тут и экзотика театра в театре, где действует кукольный мастер, превращающийся по ходу спектакля в злого колдуна, и кукла-кокетка, и кукла – влюбленный кавалер, и король со свитой, которые, с одной стороны, наглядно мотивируют театр в театре, а с другой стороны, имеют свою, параллельную кукольному мастеру и куклам-актерам, сюжетную линию.

Король влюбляется в куклу-актрису, влюбленный кавалер ревнует, пытается заколоть ветреную подругу. Но и король слишком стар, и кинжал безвреден для деревянной куклы, и представление кончается, и все становится на свои места: король возвращается во дворец, а кукол засовывают в ящик – до следующего спектакля. Этот ящик – сама жизнь, а от законов жизни – не уйти.

Однако тот путь, который намечала пьеса-сказка «Дочь колдуна и заколдованный королевич», оказался чужд веселому, озорному и жизнелюбивому реализму писателя. Драматург обратился к комедии.

В комедии ни один из героев, положительный он или отрицательный, не имеет права, не может страдать настолько, чтобы, овладев воображением читателя и зрителя, заставить поддаться жалости и состраданию. Уже в первых одноактных водевилях «Нечаянная удача» и «Молодой писатель», и позднее – в «Насильниках», и во всех последующих «комедиях о любви» Толстой не позволяет страдать долго и мучительно ни одному из своих персонажей. Обстоятельства непременно складываются так, чтобы счастье повернуло в сторону симпатичных людей – тех, кому отдано ласковое внимание драматурга. Путь этих персонажей – от колебаний к устойчивости, от сумрака – к свету, от неудач и несчастий – к удаче и счастью. Начинаются «комедии о любви» с унылой будничности, с печали, а приходят обязательно к радости счастливого финала, где компенсируются незаслуженные обиды, вознаграждаются добрые усилия, осуществляются светлые надежды. Путь к финалу – путь освобождения от тяжелого, печального, которое истолковывается как наносное, преходящее.

В этом отношении показательна пьеса «Насильники». Общеизвестен резонанс, вызванный постановкой этой пьесы на сцене Малого театра в 1913 году. Срединной позиции не было – оставались только враги и друзья. Неудивительно, что, как вспоминал Толстой в 30-е годы, «несколько лож (занятых симбирскими помещиками) свистали в ключи» (ПСС, 13, с. 557). Однако сатирические выпады против помещиков-«зубров» воплощались не в глубинных первоосновах драматургического конфликта, а в обличительном слове, сопровождающем развитие конфликта. «Комедию нравов» теснили водевильно-фарсовая и лирическая тенденции.

Уездный мечтатель Клавдий Коровин, влюбленно взирающий в течение долгого времени на старинный женский портрет, встречает, наконец, женщину, как две капли воды на этот портрет похожую. Но для того, чтобы Клавдий и Нина соединились, им нужно преодолеть препятствия, вызванные шумной и суетливой деятельностью Квашне-вой, которая в попытках устроить семейное счастье дочери выступает как типичный водевильно-фарсовый персонаж. Веселая суета, водевильно-фарсовая путаница и лирическая устремленность при создании характеров центральных действующих лиц способствовали выявлению признаков лирической комедии.

Эта художественная установка оказалась плодотворной для драматургии Толстого дореволюционных лет. «Касатка» – едва ли не самое наглядное тому подтверждение. Сатирические выпады «Насильников» получают здесь поддержку в насмешке над сословной дворянской гордостью пропившегося, промотавшегося Желтухина, готового спрятать эту свою гордость и стать на старости лет приживалом. Да и социальная неустроенность Нины напоминает о себе в истории жизни главной героини комедии: Маша, по ее словам, «деревенская, псковская», она «и прачкой была», «и горничной, и в магазине служила», и романсы пела в летнем театре – словом, навидалась и натерпелась всякого. Но все это – прошлое, предыстория. Что же касается непосредственного действия комедии, то в нем преобладают лирическое и водевильно-фарсовое начала с использованием как своего рода напоминаний элементов знакомых литературных фабульных схем и ситуаций, героев и т. п. Драматург не только не боится прямой переклички с первоисточниками, но и откровенно намекает на них, обнажая прием.

В образе Маши – главной героини – присутствует память о героинях Достоевского – о таких, как Настасья Филипповна («Идиот») или Грушенька («Братья Карамазовы»). Маша тоже резкая, тоже способна в исступлении гнева и обиды на злое слово, на жестокое самобичевание, вплоть до истерического признания и самооговаривания. В «Касатке» происходит перекрестный обмен женихом и невестой: в финале Маша собирается замуж за Илью, а князь – жениться на Раисе; возникает явная перекличка с центральной ситуацией гетевского «Избирательного сродства». Бегство Ильи из-под венца легко ассоциируется с гоголевской «Женитьбой». Когда в финале третьего акта с колокольни сельской церкви раздается набат, он звучит не как знак стихийного бедствия, не как голос мужицкой мести (в произведениях русской литературы начала XX века он не раз был воплощением социального неблагополучия и гнева), а как веселый аккомпанемент семейной суеты и водевильной тревоги: пора к венцу в церковь, а жених бежал с другой женщиной, и все бросаются вдогонку.

В «Касатке», как, впрочем, и в остальных «комедиях о любви», персонажи сходятся и расходятся, заключают соглашения, более или менее длительные, вступают в союзы, оказывающиеся непрочными. Действующие лица переживают всерьез, но автор относится к ним с ласковой усмешкой, поскольку их суета и беспокойство несоизмеримо больше вызвавших эту суету и это беспокойство трудностей. Тем самым создается атмосфера не страшной для героев, забавной для читателя и зрителя суматохи – суматохи, ведущей к обязательному счастливому концу.

В «Касатке» все складывается, как в сказке с благополучным исходом. Сказка эта – непременно веселая и добрая, и все в ней, как и положено, осуществляется по принципу: сказано – сделано. Проигрались питерские гуляки в пух и прах, пропились до последнего предела, заодно переругались между собой до скандала, и один из них, Желтухин, самый легкомысленный и предприимчивый, предлагает всей компанией ехать в родовое имение князя – на Волгу. И, конечно, они едут туда, чтобы каждый нашел то, что ему больше всего подходит: Желтухин становится приживалом, княэя полюбила чистая, доверчивая девушка, возрождающая любимого к жизни, а что касается Маши – как принято было тогда говорить, женщины «с прошлым», – то к ней приходит выстраданное, ею давно заслуженное счастье.

Художническое мироотношение, как оно проявилось в поэтике «комедий о любви», выражало существенную сторону таланта Толстого. Радостному мироощущению писатель остался верен, даже пройдя через тяжкие испытания революции, гражданской войны и особенно эмиграции. Тому доказательство – повести «Детство Никиты» (1920), «Граф Калиостро» (1921), комедия «Чудеса в решете» (1926). Перед нами – история о том, как на выигрышный билет «девушки из провинции» Любы Кольцовой пал крупный выигрыш, а она долгое время про это, разумеется, не знает. Конечно, и здесь, как и в комедиях, написанных до революции, Толстой отчетливо видит социальные конфликты и проблемы времени: тут и безработица, которая в эпоху нэпа представляла собой серьезную трудность для советского общества, тут и персонажи – порождение нэпа, тут и нелегкая жизнь вузовцев.

Однако здесь, как и в дореволюционных комедиях писателя, господствует не «комедия нравов», а приемы фарса в соединении с традициями лирической комедии. Борьба вокруг выигрышного билета ведется средствами неприглядными, неловкими и нелепыми: охваченные жаждой наживы обыватели терпят поражение столько же смешное, сколько и заслуженное. И победа, разумеется, принадлежит тем, кому писатель отдает свои безоговорочные симпатии: вузовцу Алеше и бесхитростной «девушке из провинции» Любе. Иначе и быть не могло.

В первом акте Алеша говорит Любе: «Надо спокойно относиться к временным затруднениям…» И в самом деле – трудности Любы сугубо временные, преходящие: выигранные по лотерее деньги будут использованы для помощи нуждающимся студентам, а в финале счастливая Люба говорит Алеше: «На взморье, на весь день. Да?» В контексте комедии, в контексте счастливого финала «весь день» на взморье становится символом целой жизни. Не зря Журжина, «домашняя портниха, средних лет», произносит в финале слова, которые завершают пьесу, – те слова, которые еще не успел Алеша сказать любимой девушке: «И поцеловал и говорит ей: невеста моя, жена моя драгоценная… Любовь моя – до гробовой доски…» Здесь снова заявляет о себе счастливый итог, поддержанный движением фабулы и лирическим сюжетом.

«Чудеса в решете» – последняя из пьес А. Н. Толстого, написанных в традиции «комедий о любви». За несколько лет до комедии «Чудеса в решете», в годы революции и гражданской войны, начинается новый этап в жизни А. Н. Толстого-драматурга. Великие социальные потрясения оказывают на него мощное воздействие. Именно в это время активизируются размышления художника над проблемами истории, над вопросом о судьбе отдельного человека и целых народов в процессе исторического развития: появляется рассказ «День Петра», начинается работа над «Хождением по мукам». На человеке и истории сосредоточивается внимание писателя. Именно в годы революции и гражданской войны он пишет трагедию «Смерть Дантона» и комедию «Любовь – книга золотая».

И в этих произведениях автор не минует тему любви: название «Любовь – книга золотая» говорит само за себя. Однако и в комедии, и в «Смерти Дантона» действительность, ее движение противостоит любви. Любовь здесь не в силах даже поддержать человека, не то что спасти. Толстой задается в обеих пьесах, по сути дела, одним и тем же вопросом: каковы возможности индивидуальной активности человека, его личного воздействия на развитие истории? каковы реальные, практически ощутимые последствия этого воздействия, этой активности?

В трагедии «Смерть Дантона» (1918), которая представляет собой переделку одноименной пьесы немецкого драматурга XIX века Г. Бюхнера, для Толстого, как и для его предшественника, существенное значение имеет действие неотвратимых законов истории. Дантон был у истоков первой волны террора – теперь он его жертва. Робеспьер, только что расправившийся с гебертистами, готовится к уничтожению своих вчерашних товарищей по борьбе. Действие строится таким образом, что обреченность побежденного (Дантон) перекликается с одиночеством победителя (Робеспьер). Тем самым дается намек на трагический исход судьбы государственного деятеля, который готов повторить судьбу своего предшественника: оказаться в политической изоляции, вступить в противоречие с развитием социальных обстоятельств и тоже стать жертвой истории.

Но в переделке бюхнеровской пьесы есть нечто, принадлежащее именно А. Н. Толстому, – поэтизация любви. Он сосредоточивает внимание на счастье двух супружеских пар: Дантон – Луиза, Камилл Демулен – Люси. И в дореволюционных произведениях писателя (например, в романе «Хромой барин»), и в первой части «Хождения по мукам» (а она создавалась в годы гражданской войны, вскоре после трагедии «Смерть Дантона») любовь – это прежде всего сила жизни и спасения. Между тем в «Смерти Дантона» любовь предстает как жертва. Показательно, что именно в финале мы видим прижавшихся друг к другу Луизу и Люси, которым через несколько минут суждено стать вдовами.

Одна из первых реплик трагедии – слова Луизы, жены Дантона, исполнены предупреждающей многозначительности: «…многие ночью в парке слышали конский топот и звук рогов, – видели призрак короля». В финале Дантон – на эшафоте: тот, кто был активным сторонником казни короля, сам, в свою очередь, попадает на гильотину. Круг замыкается, и кольцевая композиция подчеркивает это.

Фабула комедии «Любовь – книга золотая» (1918) тоже строится по принципу кольцевой композиции: действие начинается с приезда Екатерины II в имение князя и княгини Серпуховских, а завершается вскоре после ее отъезда. Веселая суматоха, заполняющая пространство внутри этой кольцевой композиции, позволяет рассматривать комедию как «театрализованный анекдот», как произведение, основанное на «анекдотическом происшествии», где «…любовь носит анекдотический характер».

Однако за анекдотически-водевильной ситуацией проглядывает нечто отнюдь не водевильное. По приказанию юной княгини деревенские девки изображают нимф, парень Никита, конечно, сатир, а пожилому хозяйственному мужику в самый разгар полевых работ велено быть лешим. Домашние чудачества княгини – основа не только анекдотических ситуаций, но и повод для авторских раздумий о жизни. Не случайно выдумки молодой барыни получают комедийный простор на фоне самодержавно-крепостнической государственности. Заметим, что отношения начальника и подчиненного пронизывают сюжетные связи всех без исключения действующих лиц. Княгиня распоряжается судьбой своих крепостных, Екатерина II – судьбой своих верноподданных. Как в том, так и в другом случае проявляемая обеими воля к власти капризная, по-женски пристрастная, но все равно это власть со всеми вытекающими отсюда последствиями.

В комедии «Любовь – книга золотая» императрица попирает интересы княгини и своего адъютанта, в княгиню влюбленного, поскольку сообразуется с собственными интересами и пользуется той властью, которой располагает. «Разрешаю считать меня тиранкой», – говорит Екатерина II княгине незадолго до финала. Княгиня дарует вольную крепостным девушкам, изображавшим по ее прихоти нимф, но это лишь подчеркивает размах данной ей власти: может покарать, а может и наградить. Более того. В ее решении дать вольную обнаруживается и хозяйственный резон – «нимфы» избаловались, отвыкли от деревенской работы. Завалишин так и говорит: «Сие разумно. Девки все равно порченые». Таким образом, и в решениях княгини столько же чувствуется твердая рука, сколько и соображения хозяйственной целесообразности.

В первой редакции комедии Екатерина произносила, имея в виду княгиню: «…такая вот сорока оказывается посильнее короны Российской империи». В окончательной редакции (30-е годы) этой реплики нет, однако эти слова и в первой редакции вряд ли что меняли в логике действия. Царица признавалась в своем поражении, но Завалишин все равно оставался, в конечном счете, при ней: ускоренное продвижение по службе, непосредственно зависящее от матушки-императрицы, оказывается сильнее любви, как, впрочем, и все, что зависит от государственной власти. Жизнь, конечно, становится краше, если в ней поселяется любовь, но жизнь сурова, и любовь, приходя в эту жизнь, терпит ущерб.

Таким образом, и «Смерть Дантона», и «Любовь – книга золотая» при всем различии их жанровых форм выдвигают на передний план тотальную силу власти, неотменяемую логику суровых по отношению к человеку социальных закономерностей. Обе пьесы сближаются и в круговом движении изображаемой в них жизни. Действующие лица могут суетиться, бороться, проявлять активность, однако ничто не меняется в сложившихся отношениях: все и вся возвращается «на круги своя».

Как известно, А. Н. Толстой в эти годы испытывает сомнения в поступательном смысле исторического развития: «Смерть Дантона» и «Любовь – книга золотая» подтверждают справедливость этого неоднократно высказывавшегося исследователями положения. Однако в определенном смысле «Любовь – книга золотая» стремится противостоять «Смерти Дантона» атмосферой раскованной веселости и комических перемещений. В новых произведениях, написанных после разрыва с эмиграцией и возвращения на родину, концепция человека и государства, человека и истории получит диалектически неоднозначное художественное воплощение. Тому подтверждение, конечно, знаменитый роман «Петр Первый» и исторические драмы.

«Заговор императрицы» (1925) свидетельствует о поиске писателем художественных путей исторического мышления. Историзм пьесы, пожалуй, меньше всего сказывается в сенсационном материале, легшем в основу фабулы (хотя, конечно, сенсационные факты последних лет царствования дома Романовых привлекали и привлекают читателя и зрителя). Историзм не только в том, что А. Н. Толстой и П. Е. Щеголев стремились быть документально точными. Существенней, разумеется, то, что «картина разложения самодержавного строя, сатирические образы членов царской семьи и их приспешников красноречиво говорят об обреченности монархии, о неизбежности революции».

Но не менее важно и другое – сам характер развития драматического действия, особенности его сюжетно-композиционной организации. Действие строится таким образом, что все метания людей из ближайшего царского окружения, их планы «спасения России», их взаимные интриги, споры, борьба за карьеру, за власть, наконец, – все это приведено к общему знаменателю неотвратимого движения истории, активного участия народа в этом движении. Царь, царица, их ближайшее окружение могут в чем-то терпеть неудачу, в чем-то добиваться успеха (удалось же заговорщикам физически уничтожить Распутина и предотвратить передачу всей полноты власти царице), однако эти победы и поражения – иллюзорны.

Царь, не зная о зреющем за его спиной заговоре, не разбираясь в положении дел на фронте, полон решимости продолжать войну до победного конца («Покуда мои войска не войдут в Берлин…»), а в то самое время, когда царь полон честолюбивых планов, германский цеппелин начинает бомбардировать ставку. Показательно: царь слышит грохот и уверен, что это учебные стрельбы на полигоне, между тем как на самом-то деле это воздушный налет противника. В начале пьесы звучит фраза Вырубовой – отклик на разговоры о развале железнодорожного транспорта: «Нужно прикрикнуть, и транспорт будет…» В финале царица говорит: «Они увидят меня, и они испугаются». Но железные дороги от окриков лучше не работают, и царицын гнев отнюдь не пугает рабочих, которые пришли арестовывать царскую семью.

С этой точки зрения знаменателен финал первой картины третьего действия. За окном штабного помещения, где царь разговаривает с одним из сановников, раздается песня солдат: как гласит ремарка, в песне звучит «…что-то настолько тревожное и странное…», что собеседники замолкают. Это – один из предупредительных сигналов: солдаты пока еще выполняют приказы царского командования, но это – неведомая и грозная сила. И смутная тревога оказывается обоснованной: в финале войска перестают подчиняться царской власти – начинается революция.

В пьесе «Заговор императрицы» народ хотя и выступает по преимуществу как внесценический персонаж, последнее слово остается именно за ним. На авансцене лилипуты, а где-то за сценой действует Гулливер. Лилипуты мечутся, оглядываются за кулисы: ведь именно там, за пределами сцены, вершится история, оттуда слышны тяжелые шаги другой жизни, и сурова участь тех, кто окажется под ее подошвами.

Закономерно то обстоятельство, что, работая в 20-40-е годы над романами «Хождение по мукам» и «Петр Первый», писатель много энергии отдает созданию исторических драм: «На дыбе» (1929), два варианта пьесы «Петр Первый» (1935 и 1938), драматическая дилогия об Иване Грозном (1943). В 20-е годы Толстой утверждал: «Мы не должны бояться широких жестов и больших слов»; «Вот общая цель литературы: чувственное познание Большого Человекам (ПСС, 13, с. 288, 282). Создавая крупномасштабные образы Петра I и Ивана Грозного, автор стремится найти положительное, исторически перспективное решение проблемы народа и государства.

Ведущий конфликт объединяет эти произведения, позволяя анализировать их вместе: царь-преобразователь, радея о судьбах государства, беспощадно ломает сопротивление ревнителей старины. Ключевые реплики главного героя и его противников достаточно показательны, какую бы пьесу ни взять, начиная с пьесы «На дыбе» и кончая драматической дилогией.

Петр в пьесе «На дыбе»: «Стрельцы, стрельцы, гидры отечества… Какой же им еще крови нужно, чтобы в разум вошли?..» (ПСС, 10, с. 588); «Не служат, не работают – кормятся. Русские мне шведа страшнее…» (ПСС, 10, с. 602); «Сообщниками его (царевича Алексея. – В. С.) – бородачи, попы, боярство недоломанное… Русские люди… Ради тунеядства своего любому черту готовы государство продать…» (ПСС, 10, с. 626). Иван Грозный: «Думные бояре уперлись брадами в пупы, засопели сердито… Собацкое собранье!»; «Ныне на меня легла вся тяга русской земли. Ее собрать и вместо скудости богатство размыслить»; «Не короли мне страшны – Москва. Толща боярская. Им на разорении земли – богатеть да лениветь! Им государство – адова твердыня!»; «Стонут княжата! Служба им – неволя! Неохота в кольчугу влезать – брюхо толсто…»

С одних и тех же позиций защиты старины выступают противники Петра и Ивана. Митрополит Филипп: «Мало ему (царю Ивану. – В. С.) вдов горемычных, мало ему сирот… (…) Жить надо тихо. Пчела ли зазвенит или птица пропела – вот и весь шум. Да бей себя в перси, не переставая, – кайся… Вот как жить надо». Аналогичная позиция у царевича Алексея («На дыбе»): «Буду жить на Москве, летом – в Ярославле буду жить… Кораблей держать не буду… Войско – самое мало число… Тихо, в радости, без страха…» (ПСС, 10, с. 615). В пьесе «Петр Первый» один из сподвижников Алексея тоже выступает в защиту патриархальности: «Тем и сильна была Россия, что, прикрыв срам лица брадой, аки голубь в святом неведении возносила молитвы…»

Но дело, разумеется, не только в прямом совпадении смысла реплик – драматические произведения о Петре и Иване Грозном сближаются между собой и в особенностях центрального конфликта: и тут и там в центре внимания борьба царя-самодержца с боярской – прежде всего! – оппозицией. Бояре противопоставляют сильной личности царя-самодержца безвольного человека, который должен быть послушным исполнителем воли тех, кто его подталкивает к трону (таковы царевич Алексей и князь Владимир Старицкий). В борьбе против боярства, в великодержавных устремлениях оба царя в пьесах А. Н. Толстого опираются на купечество, на посадских людей и на мужиков. Тут и там царь предстает как суровый и справедливый отец своих подданных. «Русская земля – моя единая вотчина», – так утверждает Иван Грозный; «Суров я был с вами, дети мои», – признается Петр, обращаясь к народу в финале пьесы «Петр Первый». Как тот, так и другой обосновывают свою жестокую самодержавную волю интересами государства: «Быть Третьему Риму в Москве» (Иван); «Не для себя я был суров, но дорога мне была Россия» (Петр).

В драматических произведениях 20-40-х годов, посвященных изображению государственной преобразовательной деятельности Ивана IV и Петра I, писатель, таким образом, сосредоточил внимание на выдающейся личности, берущей на себя всю полноту социальной и нравственно-психологической ответственности во имя государственного величия. При этом для А. Н. Толстого было важно показать, что усилия обоих самодержцев получили поддержку со стороны демократических слоев. В пьесе «Петр Первый» во время полтавского сражения Федька в ответ на призыв главного героя: «Порадейте, товарищи» восклицает: «Порадеем…» И его символически значимый ответ, разумеется, услышан, как слышит царь Иван народное многоголосие в поддержку своим державным начинаниям: тут и юродивый, принесший царю денежку на военные приготовления, тут и мужик из толпы, который кричит царю: «Батюшка, не тужи, надо будет, – мы подможем».

Но при всех достоинствах рассматриваемых пьес (живость диалогов, богатство языка, свободного от отяжеляющей архаики и вместе с тем воссоздающего аромат старины) есть в них один общий – и весьма существенный – недостаток: ослабленность, сглаженность драматургического конфликта при изображении отношений царя и народа. В пьесе «Петр Первый» эти отношения представлены идиллически, о чем исследователи разных лет писали достаточно аргументированно. Следует согласиться: «Классовая направленность петровских реформ, их крепостнический характер оказались затушеванными» (Сокольская А. Л. – СС, 9, с. 772); «Писатель совершенно снимает противоречия между государством и народом, в пьесе нет даже намека на какой-либо антагонизм между ними» (Бороздина, с. 156). Закономерен вывод исследователей, высказывания которых только что процитированы: «Попытки воссоздать в драматургических образах эпоху Петра остались в какой-то мере незавершенными» (Сокольская А. Л. – с. 774); «Забвение важного момента классовой борьбы и односторонний показ событий нельзя не считать шагом назад в творческой жизни писателя» (Бороздина, с. 156).

Еще более идиллически показана деятельность Ивана Грозного. Драматург попытался показать через сюжетную реализацию основного конфликта обоснованность тех репрессий, которые самодержец обрушивал на своих подданных. Автор потерпел в этом неудачу. Справедливо замечено современным исследователем: «Писатель не смог в должной мере раскрыть противоречия в начинаниях монарха, отсутствие у него стремления соотносить цель с теми жертвами, которые он приносил ей. Отступлением от исторической истины выглядят и не лишенные идилличности сцены, где показано единство царя и народа».

Следует напомнить, что над драматической дилогией писатель работал долго и упорно, однако «правка… вела к большей, по сравнению с первыми вариантами, апологизации личности Ивана IV» г. Соответственно – печать наивного упрощенчества и схематизма лежит на образах крымцев и пленных ливонских рыцарей: чем более приподнимал автор своего главного героя, тем более мелкими становились его враги. Тем самым ослаблялся конфликт, уменьшалась острота противоречия – на такого противника нет нужды тратить силу.

Над драматической дилогией А. Н. Толстой, как уже сказано, работал долго и нелегко: в комментариях А. В. Алпатова к пятнадцатитомному и А. Л. Сокольской к десятитомному Собранию сочинений писателя, а также в монографиях Ю. А. Крестинского и П. А. Бороздиной дан богатый и поучительный материал о творческой истории пьес об Иване Грозном. А. Н. Толстой попытался – в духе веяний 40-х годов – идеализировать своего героя, однако факты противились такого рода идеализации.

Сейчас, когда путь писателя завершился, когда дистанция времени, отделяющая художника от нашей живой современности, стала достаточно велика, на передний план естественным образом выдвигаются не ошибки, не заблуждения, не художественные промахи, а то реально ценное, художественно весомое, что сделано А. Н. Толстым для драматургии и театра.

Лев Толстой за работой 1891 г.

В начале 80-х гг. завершился давно назревший перелом в мировоззрении Толстого. Писатель решительно порвал со взглядами дворянской среды, к которой принадлежал по рождению и воспитанию, перешел на позиции патриархального крестьянства и в своих последних произведениях «…обрушился с страстной критикой на псе современные государственные, церковные, общественные, экономические порядки, основанные на порабощении масс, на нищете их, на разорении крестьян и мелких хозяев вообще, на насилии и лицемерии, которые сверху донизу пропитывают всю современную жизнь».

Мировоззрению и творчеству великого художника были присущи глубокие противоречия. Будучи выразителем настроений патриархальной деревни с присущими ей политической незрелостью, стихийностью, неорганизованностью, Лев Толстой не понимал исторической роли рабочего класса, отстранялся от политики, отрицал революционные формы классовой борьбы, призывал к непротивлению злу насилием и нравственному самоусовершенствованию как единственному средству изменить существующий строй. В учении и творчестве Толстого, таким образом, есть и «разум» и «предрассудок», и то, что отошло в прошлое, и то, что принадлежит будущему.

В последний период своей жизни Лев Толстой написал повести «Смерть Ивана Ильича» и «Крейцерова соната», рассказы «Хозяин и работник», «Отец Сергий», «Дьявол», «Кто прав?», пьесы «Власть тьмы», «Плоды просвещения» и «Живой труп», роман «Воскресение», повесть из эпохи 50-х гг. «Хаджи Мурат», рассказы «После бала», «Фальшивый купон» и другие произведения.

В это же время Лев Толстой создал ряд публицистических произведений, в том числе знаменитый трактат «Что такое искусство?»

Экспозиция восьмого зала развернута по следующим темам: «Творчество Толстого 1880-х гг.», «Драматургия Толстого», «Творчество Толстого 1890-х гг.», «Роман «Воскресение», «Лев Толстой - обличитель буржуазного строя Европы и Америки», «Творчество Толстого 1900-х гг.», «Повесть «Хаджи Мурат», «Уход из Ясной Поляны. Кончина Толстого», «Лев Толстой и русская литература», «Лев Толстой и русское искусство».

В зале выставлены прижизненные портреты Толстого работы выдающихся русских мастеров кисти и резца.

Творчество Льва Толстого 1880-х гг.

В 1881 г. Лев Толстой с семьей поселился в Москве. В 1882 г. он участвовал в трехдневной московской пере­писи. Глубокое изучение жизни фабричных рабочих, крестьян-сезонников, обитателей ночлежных домов от­крыло ему глаза на ужасы городской нищеты. В ряде публицистических произведений («Исповедь», «О перепи­си в Москве», «Так что же нам делать?» и др.) Лев Толстой с огромной силой запечатлел бедственное положение го­родского люда, особенно крестьян, вытолкнутых из де­ревни и обреченных в городе на каторжный труд и не­щадную эксплуатацию.

В 1880-е гг. Лев Толстой создает и серию ярких, образных народных рассказов, написанных простым, ясным язы­ком, серию легенд, сказок и притч: «Чем люди живы», «Два брата и золото», «Ильяс», «Где любовь, там и бог», «Упустишь огонь - не потушишь», «Девчонки умнее стариков», «Два старика», «Свечка», «Как чертенок кра­юшку выкупал», «Крестник», «Работник Емельян и пу­стой барабан» и др.

Многие рассказы обличают лживость, корыстность, алчность господ, стяжательство кулаков-мироедов. Но, религиозные по идейной направленности, они призывают не к борьбе, а к покорности и смирению.

«Народные рассказы», как и многие публицистические произведения Толстого, издавались многотысячными ти­ражами издательством «Посредник» и широко распро­странялись в народе.

Драматургия Льва Толстого

Программа домашнего спектакля Л.Н.Толстого 1889 г.

Среди произведений Толстого 1880-1900-х гг. видное место занимают его пьесы: «Власть тьмы» (1886), «Пло­ды просвещения» (1889), «Живой труп» (1900).

В своих драматургических произведениях Лев Толстой гневно обличает социальные уродства старой России, вы­смеивает умственное убожество и опустошенность господ­ствующих классов, ставит острейшие вопросы обществен­ной жизни.

«Власть тьмы» - драма об отсталой, темной поре­форменной деревне, которая, по словам Ленина, была от­дана на поток и разграбление капиталу. С большой ху­дожественной силой рисует писатель губительную власть денег, разрушающих вековые устои крестьянской жизни, уродующих психику людей, насаждающих волчьи законы стяжательства и взаимной ненависти. Устами своих героев Митрича и Акима писатель осуждает эту тлетворную губительную силу, но противопоставляет ей только пат­риархально-крестьянские идеалы кротости и всепроще­ния.

Драма «Власть тьмы» потрясает зрителей глубиной и правдивостью изображения крестьянской психологии, ве­ликолепным народным языком. Она имела огромный ус­пех на русской сцене и за границей.

Пьеса «Плоды просвещения», носившая вначале на­звание «Исхитрилась», продолжила плодотворную, глубо­ко народную традицию русской классической комедии.

Всем своим сатирическим острием она направлена против праздного столичного барства с его пустой лицемерной жизнью и фальшивой моралью. Умственно ничтожным помещикам Звездинцевым и псевдоученому Кругосвет-лову в комедии противостоят простые мужики, посланцы нищей, разоренной деревни. Но именно они - люди глу­бокого ума и трезвого, серьезного взгляда на жизнь. Лев Толстой разоблачает в этой пьесе буржуазно-дворянскую культуру.

Теме обличения буржуазной морали посвящена пьеса Толстого «Живой труп». Автор раскрывает в ней фальшь и лицемерие семейных отношений, которые в собственни­ческом обществе зиждутся не на живом чувстве, а на меркантильных интересах или полицейском принуждении. Раскрывая душевную драму незаурядного человека Фе­дора Протасова, не желающего мириться с окружающей пошлостью и грязью, Лев Толстой возвышается до отрицания всего господствующего строя помещичье-дворянской России.

Пьесы Толстого являются выдающимися произведе­ниями русской и мировой драматургии.

А. М. Горький ставил пьесы Толстого в ряд с лучши­ми произведениями драматического искусства: «Прекрас­ные наши комедии «Горе от ума», «Ревизор», «Плоды просвещения», - писал он, - отнюдь не хуже комедий Мольера и. Бомарше».

Пьеса «Живой труп» очень нравилась В. И. Ленину. Н. К. Крупская рассказывает: «Приехала как-то в Берн русская труппа, игравшая на немецком языке; ставили пьесу Л. Толстого «Живой труп»… Играли очень хорошо. Ильича, который ненавидел до глубины души всякое ме­щанство, условность, эта пьеса чрезвычайно разволнова­ла. Потом он хотел еще раз пойти ее смотреть».

Драматургия Толстого сыграла большую роль в раз­витии русского театра. Вместе с пьесами Грибоедова, Пушкина, Гоголя, Островского, Чехова, Горького драматические произведения Толстого составили золотой фонд нашего классического репертуара. Еще до революции крупнейшие русские театры - Малый, Художественный и другие - дали сценическую жизнь драматургическим творениям писателя.

Драматургия Толстого прочно вошла и в репертуар советских театров. Во многих театрах, особенно в МХАТ СССР им. Горького, кроме пьес Толстого, с успехом по­ставлены также инсценировки его романов «Анна Ка­ренина» и «Воскресение».

Творчество Льва Толстого 1890-х гг.

Гранка романа "Воскресенье" с правкой Л.Н.Толстого

Начало 90-х годов в России было отмечено тяжелым бедствием - голодом, охватившим многие районы стра­ны. Свыше 40 миллионов крестьян оказалось на краю гибели.

Как и в 1873 г., во время голода в Самарской губер­нии, Л. Н. Лев Толстой в 1891-1893 гг. возглавил широкое общественное движение в помощь голодавшим крестья­нам. Вместе со своими помощниками писатель организо­вал в деревнях Рязанской и Тульской губерний сеть бес­платных столовых, в которых кормились десятки тысяч крестьян, особенно стариков и детей.

Деятельность Толстого в помощь голодающим встре­тила одобрение и поддержку передовых людей России. И. Ё. Репин отправился к писателю в Данковский уезд Рязанской губернии и вместе с ним объехал ряд сел и деревень, пострадавших от недорода. Горячо одобрили деятельность Толстого писатели А. П. Чехов, В. Г. Коро­ленко, Н. С. Лесков и другие.

Роман Льва Толстого "Воскресенье". Утро Нехлюдова

В 1898 г., в связи с новым недородом, Лев Толстой возоб­новил свою деятельность среди голодающих крестьян, на сей раз в Чернском уезде Тульской губернии. К этому времени относится его знаменитая статья «Голод или не голод?», в которой писатель снова с большой остротой поставил вопрос о бедственном положении народа в царской России.

"Воскресенье" Подсудимые. Иллюстрация Л.О.Пастернака

«Воскресение» - крупнейший социально-обличитель­ный роман Толстого, вершина литературы критического реализма. В нем писатель поставил самые острые пробле­мы русской жизни последней трети прошлого века.

Над романом «Воскресение» Лев Толстой работал с пере­рывами 10 лет, с 1889 по 1899 г. В основу его сюжета легла история некоей девушки Розалии Они, которую со­блазнил и бросил богатый молодой человек, впоследствии оказавшийся присяжным заседателем - участником суда над ней. Эту историю рассказал Толстому в 1887 г. известный судебный деятель и литератор А. Ф. Кони.

«Воскресение» было задумано как произведение о раскаянии и религиозном возрождении барина, осознав­шего свой «грех» перед соблазненной им женщиной из народа. В центре романа стояли вопросы нравственности, трактуемые в узком абстрактно-моралистическом плане. Однако в дальнейшем замысел романа подвергся суще­ственным изменениям. На первый план были выдвинуты актуальные проблемы народной жизни, освещенные под углом зрения беспощадного обличения господствующих классов.

Идейный пафос романа - в бескомпромиссном отри­цании всех основ собственнического мира. С чувством негодования и протеста обрушивается Лев Толстой на цар­скую «комедию суда», на полицейско-тюремный аппарат, казенную церковь, обнажает лицемерие и фальшь буржу­азной морали. Лев Толстой, по выражению Ленина, срывает все и всяческие маски с всесильных «хозяев жизни» и раскрывает всю глубину подавления личности в поме-щичье-буржуазном обществе.

Полная трагизма история простой женщины из наро­да Катюши Масловой показана в романе как глубоко типическая, «обыкновенная» история гибели человека в обществе, основанном на бесправии и угнетении на­рода. Рисуя горе и нужду народа, Лев Толстой показывает и зреющий в нем социальный протест, стихийное стремле­ние народных масс уничтожить все формы эксплуатации и угнетения.

"Воскресенье". Катюша в камере после суда.

В центре романа - образы Катюши Масловой и Дми­трия Нехлюдова. Катюша Маслова - один из самых яр-кда женских образов в русской литературе. Сначала мы

видим ее юной, доверчивой девушкой, полной веры в жизнь, в будущее. Светлая жизнерадостность, одухот­воренность и какая-то особенная чистота сквозят во всем облике Катюши, в ее мыслях и поступках. Но мир коры­сти и насилия, который окружает Катюшу, несовместим с человеческим счастьем. Соблазненная и брошенная князем Нехлюдовым, она оказывается на дне жизни, по­знает обиды, горечь и унижения. Однако хорошие задатки, заложенные в душе Катюши, ее внутренняя нравственная сила предохраняют ее от окончательного падения. Подружившись на этапе с революционерами, оценив их чут­кое отношение к себе, поняв их великую правду, Катюша возрождается к новой, честной жизни.

Образ Нехлюдова продолжает галерею положитель­ных образов Толстого. Как и Дмитрий Оленин, Пьер Бе­зухое и Константин Левин, Дмитрий Нехлюдов видит несправедливость окружающей жизни и честно ищет пра­вильный путь. Встреча на суде с обманутой им в юности Катюшей, решение следовать за ней на каторгу соверша­ют нравственный переворот в душе Нехлюдова, приводят его в мир угнетенных, сталкивают с жизнью народа. И.Нехлюдов решает порвать со своим классом, отказать­ся от своего привилегированного положения, чтобы раз­делить с народом его тяжелую участь. Однако в угоду еврей религиозно-нравственной тенденции Лев Толстой приво­дит Нехлюдова в финале романа не к мысли о борьбе против господствующего зла, а к утверждению идеи непротивления злу насилием, уменьшая этим остроту по­ставленных..в романе проблем. Так в романе «Воскре­сение», как и в других произведениях Толстого, сталки­вается могучий разум художника-обличителя с его пред­рассудками проповедника и моралиста.

Глубокие идейные противоречия Толстого сказались в романе и на образах ссыльных революционеров. Писатель с теплотой и сочувствием рисует их самоотверженность в борьбе за народные интересы, их высокие нравственные качества, но не приемлет решительные, революцион­ные методы борьбы с самодержавием.

«Воскресение» впервые печаталось в журнале «Нива» в 1899 г. Роман подвергся свирепым цензурным репрес­сиям. Выход романа в свет послужил поводом для усиле­ния травли писателя реакционерами и мракобесами и отлучения Толстого от церкви (1901).

Художник Л. О. Пастернак создал в 1898 -1899 гг. большую серию иллюстраций к роману «Воскресение» (31 рисунок итальянским карандашом и 2 работы маслом). Иллюстрации получили одобрение н высокую оценку Л. Н. Толстого. В 1913-1915 гг. Пастернак повторил 10 ил­люстраций этой серии (акварель).

В экспозицию включены работы Пастернака: «Весна»; «Утро Нехлюдова»; «Судьи»; «Присяжные заседатели»; «Подсудимые»; «Завтрак у Корчагиных»; «Катюша у за­утрени»; «Кузьминские мужики»; «Нищенство в Панове»; «Mariette в ложе»; «Встреча арестантов с богатой коляской»; «Политические заключенные на полуэтапе» и др.

В январе 1899 г. Толстой посетил Бутырскую тюрьму и имел продолжительную беседу с надзирателем И. М. Вино­градовым. Писатель интересовался бытом заключенных, распорядком дня в тюремных камерах и другими сведения­ми, нужными ему для романа «Воскресение».

Творчество Льва Толстого 1900-х гг. О повести “Хаджи Мурат”

"Хаджи Мурат". Смерть солдата Авдеева.

Последнее десятилетие жизни и творчества Л. Н. Тол­стого относится к периоду первой русской революции. В. И. Ленин указывал, что творчество писателя является зеркалом русской революции. «…Лев Толстой поразительно рельефно воплотил в своих произведениях - и как ху­дожник, и как мыслитель и проповедник - черты исто­рического своеобразия всей первой русской революции, ее силу и ее слабость»

В годы революции 1905-1907 гг. Лев Толстой горячо со­чувствовал стремлению трудящихся к освобождению от ига помещиков и капиталистов. В своих статьях «Конец века» (1905), «Об общественном движении в России» (1905), «Великий грех» (1905), «О значении русской ре­волюции» (1906), «Что же делать?» (1906) и др. писа­тель неизменно поддерживал требования крестьянства, добйЁаЁшегося земли, боровшегося против кабалы, нище­ты и разорения, против полицейского произвола.

Выступая от лица многомиллионных масс крестьян­ства, писатель ратовал за ликвидацию частной поземель­ной собственности и бесправия трудового народа. «Я во псей этой революции, - писал он в 1905 г., - состою в звании, добро-и само-вольно принятого на себя адвоката 100-миллионного земледельческого народа. Всему, что со­действует или может содействовать его благу, я сорадуюсь; всему тому, что не имеет этой главной цели и отвле­кает от нее, я не сочувствую». (Письмо к В. В. Стасову от 18 октября 1905 г.) Еще более четко и ясно он определил свою позицию, написав великому князю Н. М. Романову: «Я - человек, отрицающий и осуждающий весь суще­ствующий порядок и власть». (Письмо от 14 сентября 1905 г.)

Лев Толстой считал, что первая русская революция «бу­дет иметь для человечества более значительные и благо­творные последствия, чем Великая французская револю­ция». (Письмо к Э. Кросби от 6 июля 1906 г.).

Социально-обличительные произведения Толстого иг­рали объективно революционную роль, поскольку они подвергали жестокой критике все порядки самодержав­ной России и расшатывали ее политические устои.

Но, сочувствуя борющемуся народу, радуясь подъему общественного самосознания, Лев Толстой осуждал револю­ционные методы борьбы народных масс, считая непроти­вление злу насилием единственно верным путем к уни­чтожению старого мира.

В. И. Ленин писал, что Лев Толстой не понял революции и, в угоду своему религиозно-нрав­ственному учению, отстранился от нее, «…его учение ока­залось в полном противоречии с жизнью, работой и борьбой могильщика современного строя, проле­тариата» ‘.

Крупнейшим художественным произведением Толсто­го 1900-х гг. является повесть «Хаджи Мурат». В ее ос­нове лежит действительный эпизод Кавказской войны, связанный с историей жизни и гибели Хаджи Мурата, од­ного из соперников Шамиля - главы реакционного рели­гиозного течения (мюридизма) на Кавказе.

Толстого еще в юности, в бытность его на Кавказе, за­интересовала незаурядная личность Хаджи Мурата. К ра­боте над повестью он, однако, приступил только в 1896 г. Основное ее содержание Лев Толстой определял так: «Меня здесь занимает не один Хаджи Мурат с его трагической судьбой, но и крайне любопытный параллелизм двух главных противников той эпохи - Шамиля и Николая, представляющих вместе как бы два полюса властного абсолютизма - азиатского и европейского». (Слова Тол­стого, записанные С. Н. Шульгиным).

Лев Толстой работал над повестью с перерывами в тече­ние 8 лет, тщательно собирая и изучая материал и стре­мясь к наиболее точному и художественно совершенно­му изображению Кавказской войны. В конце 1904 г. автор, занятый другими работами, оставил повесть неза­вершенной. Она увидела свет лишь после смерти писа­теля, в 1912 г.

К последнему десятилетию жизни писателя относятся также пьеса «Живой труп» (1900), рассказы: «После ба­ла» (1903), «Фальшивый купон» (1904), «Алеша Горшок» (1905), «Посмертные записки старца Федора Кузьмича» (1905), «За что?» (1906), «Три дня в деревне» (1909- 1910) и ряд произведений, оставшихся незавершенными: «Нет в мире виноватых», «Ходынка», «От ней все каче­ства» и другие.

Из публицистических произведений писателя этих лет наиболее широкий отклик получили трактат «Рабство на­шего времени» (1900), содержащий резкую критику ка­питалистической эксплуатации, частной поземельной соб­ственности и государственного насилия, статья «О Шекспире и о Драме» (i903-1604), статья «Одумайтесь!» (1904), направленная против русско-японской войны, и знаменитая статья «Не могу молчать» (1908).

За выступления против существующего строя и официальной церкви синод в феврале 1901 г. отлучил Толстого от церкви, объявил его еретиком и предал анафеме.

В музее хранятся:

ТЕЛЕГРАММЫ И ПИСЬМА РАЗНЫХ ЛИЦ И ОБЩЕСТВЕННЫХ ОРГАНИЗАЦИИ С ВЫРАЖЕНИЕМ СОЧУВСТВИЯ ТОЛСТО­МУ ПО СЛУЧАЮ ЕГО ОТЛУЧЕНИЯ ОТ ЦЕРКВИ. 1901 г.

ГЛЫБА ИЗ ЗЕЛЕНОГО СТЕКЛА, ПРИСЛАННАЯ ТОЛСТОМУ-В ПОДАРОК ОТ РАБОЧИХ МАЛЬЦЕВСКОГО СТЕКОЛЬ­НОГО ЗАВОДА. 1901 г.

На глыбе надпись: «Вы разделили участь многих вели­ких людей, идущих впереди своего века, глубокочтимый Лев Николаевич. И раньше их жгли на кострах, гноили в тюрь­мах и ссылке. Пусть отлучают Вас как хотят и от чего хотят фарисеи-первосвященники. Русские люди всегда будут гор­диться, считая Вас своим, великим, дорогим, любимым».

28 августа 1908 г. исполнилось 80 лет со дня рождения Толстого. в дни юбилея в Ясную Поляну поступило много поздравительных телеграмм и приветственных адресов со всех концов России и из-за границы. в. и. Ленин выступил в связи с 80-летием писателя со статьей «Лев Толстой, как зеркало русской революции».

Статья «Не могу молчать» явилась страстным выступ­лением Толстого против жестокостей царских властей и разгула реакции, последовавших после поражения первой русской революции. Толстой заклеймил гневом и презрением царских опричников, творивших суд и расправу над восстав­шим народом.

Выступление Толстого встретило горячее одобрение и поддержку среди передовых деятелей русской культуры. и. е. Репин в специальном письме, опубликованном в печа­ти, высказал свою солидарность с Толстым.

ДРАМАТУРГИЯ ТОЛСТОГО

Когда мы размышляем о русской драматургии XIX столетия, вряд ли придет на ум причислять к плеяде выдающихся отечественных драматургов Льва Николаевича Толстого. Гениальный прозаик, философ, создатель собственного учения, он никогда не претендовал на лавры театрального писателя.

И сразу возникает парадокс.

Человек, отвергавший театральное искусство, с определенной долей презрения относившийся к театральной условности, создал тем не менее понятие «театр Толстого». Причем не количеством, а уникальным качеством нескольких своих пьес, признанных шедеврами мировой драматургии. Эта уникальность сформулирована самим Толстым в 1890-е годы: «Для того чтобы точно определить искусство, надо прежде всего перестать смотреть на него как на средство наслаждения, а рассматривать искусство как одно из условий человеческой жизни. Рассматривая же так искусство, мы не можем не увидеть, что искусство есть одно из средств общения людей между собой».

Понимая под определением «искусство» литературу, музыку, изобразительные искусства, театр, Толстой тем самым объединял их в некий единый нравственный урок: все они имеют право на существование только тогда, когда помогают «проявить, высказать правду о душе человека», ибо только эта правда позволяет испытать драгоценное чувство единения людям - читателям, слушателям, зрителям.

Из этой точки зрения естественно вытекает один из главных философских выводов Льва Николаевича: произведениями искусства могут называться лишь те из романов, поэм, пьес и так далее, которые способствуют нравственному совершенствованию личности, а значит - и человечества в целом. А значит, адресованы они должны быть не тонкому культурному слою публики, а значительно шире - народу.

«Условие искусства - новизна», - считал Толстой, и этот взгляд писателя на искусство был поистине нов, особенно если приложить его к искусству театральному: возбуждающему, заражающему, соединяющему людей в пространстве единого эмоционального потрясения. Кто способен в большей степени испытать это чувство слияния со всеми? - конечно, не «партер» и не «ложи», не представители культурного слоя, а «галерка», народ, простые, чаще всего малообразованные люди со своими незатейливыми чувствами, порой не сформулированными ощущениями, но несомненной тягой к просвещению, к нравственному совершенствованию, к религиозной целостности.

Это отличие толстовской театральной эстетики верно отмечает в исследовании «Театр Льва Толстого» Е. И. Полякова: «Убежденный, что создает религиозный театр, Толстой создал этический театр, театр огромной нравственной и социальной значимости, обращенный не к ограниченному „верхнему“ слою общества, но ко всему народу».

Именно драматургическая форма дает подобный простор, поэтому с определенного времени Толстой обращается к ней при всей противоречивости своих взглядов на театр. Известна беспощадность суждений Льва Николаевича о трагедиях Шекспира, о современных пьесах А. П. Чехова, однако, не принимая театр как форму условного отображения жизни, Толстой сознательно выбирает именно ее, когда необходимо выразить глубокую нравственную мысль - и выдвигает специфическую, уникальную роль театрального искусства, которую, быть может, до Толстого никто не ощущал так обостренно и индивидуально.

Вероятно, поэтому драматургическое наследие Льва Николаевича Толстого вошло в историю мирового театра фактически одной пьесой - «Живой труп», а в историю театра отечественного тремя - «Живой труп», «Власть тьмы» и «Плоды просвещения». Самые ранние пьесы Толстого, а также более поздние («Первый винокур», «Петр Хлебник», «И свет во тьме светит», «Проезжий и крестьянин», «От ней все качества») не имеют сценической истории, кроме считаных исключений, и, пожалуй, никогда не знали одного из очень существенных театральных законов - успеха.

А если вдуматься, именно этот, сугубо внешний с философской точки зрения, но немаловажный с точки зрения театральной эстетики критерий и призван был проявить в полной мере внутреннюю задачу Толстого-драматурга, сформулированную им в трактате «Царство Божие внутри вас»: «Решителем всего, основною силою, двигавшею и двигающею людьми и народами, всегда была и есть только одна невидимая, неосязаемая сила - равнодействующая всех духовных сил известной совокупности людей и всего человечества, выражающаяся в общественном мнении». И не случайно в письмах и записях Толстого тех периодов, когда он обращался к драматургии, слово «успех» встречается - именно успех необходим был ему как выражение общественного мнения.

Г. Галаган в статье «Проблема общественного мнения в наследии Л. Н. Толстого» справедливо отмечает, что общественное мнение всегда понималось писателем как совокупность однородных представлений об истине: подлинная соединяет людей, ложная - разъединяет. И, думается, мы вправе предположить, что театр рассматривался Л. Н. Толстым как место формирования этого общественного мнения, где истина предстает в своем подлинном, соединяющем значении. И роль драматургии, таким образом, самим писателем понималась как воспитующая, как одно из важнейших средств «общения людей между собой».

Именно этого и не находил Толстой в современном ему театре; для него успех никогда не становился критерием, и в этом, как ни парадоксально, сказывались одновременно сильная и слабая стороны Толстого-драматурга.

Знакомство Левушки Толстого с театром состоялось довольно поздно по тем временам - ему было девять лет, когда Толстые приехали из Ясной Поляны в Москву и отправились в Большой театр. Это было первое разочарование. «Смотрите же, дети, вот где сцена, - сказала мамаша, указывая вниз в одну сторону. Дети посмотрели туда, и им не понравилось…» - кто знает, может быть, с той поры и родилось в Толстом отношение к музыкальному спектаклю (опере, балету) как к чему-то противоестественному, чуждому жизненной простоте и жизненному подобию? Условность сюжетов и характеров, знаковая природа балета отталкивали писателя своей претензией на сложную психологию человеческих взаимоотношений.

Иным было отношение писателя к драматическому театру, хотя, судя по его записям и воспоминаниям близких, заядлым театралом Толстой никогда не был. Он мог испытать острое впечатление от общения с подлинным искусством, большим артистом (как было это, когда Лев Николаевич увидел М. С. Щепкина в роли Городничего в «Ревизоре»), но вряд ли когда-нибудь испытывал искушение повторить это потрясение или хотя бы поискать сходного впечатления в других спектаклях.

Известно, что Толстой подписал вместе с другими петербургскими литераторами приветствие Щепкину в дни его пятидесятилетнего юбилея. Думается, подпись Льва Николаевича едва ли не в первую очередь относится к словам, которые ярко иллюстрируют мысль Толстого о воспитующей роли театра: «Как сосчитать, сколько благодатных движений пробуждено артистом, сколько готовых навсегда погаснуть чувств вызвано из усыпления и оживотворено им? Это заслуга невидимая, неисследимая - но великая; и общее сочувствие - ей награда, лучшая награда, какой может желать человек».

Кроме Щепкина, с которым Толстой был настолько хорошо знаком, что бывал в доме артиста, Лев Николаевич высоко ценил увиденного в ранней молодости в Казани в роли Хлестакова Мартынова. А. А. Стахович свидетельствовал, что Мартынов - Хлестаков настолько поразил студента Толстого, «что Лев Николаевич ставит Мартынова (которого он после видел и в Петербурге в драматических ролях) первым из всех когда-либо виденных им актеров».

Испытывал Толстой потрясение и от игры Мочалова, ценил Самарина, одним из первых разглядел большой талант Горбунова. Был буквально влюблен в пьесы А. Н. Островского. «Доходное место» Лев Николаевич считал идеалом современной обличительной комедии. Кстати, Островский был одним из немногих, с кем Толстой был на «ты». Н. Н. Гусев записал рассказ Толстого 1908 года (свидетельство того, что за полвека - а Лев Николаевич восхищался творчеством Островского уже в 1850-х годах! - отношение писателя к великому драматургу ничуть не поколебалось): «Он мне нравился своей простотой, русским складом жизни, серьезностью и большим дарованием. Он был самобытный, оригинальный человек, ни у кого не заискивал, даже в литературном мире».

Может быть, в первую очередь именно общение с А. Н. Островским (да и все развитие русской театральной жизни 1850-х годов) подтолкнуло Толстого к драматургии, в которой он искал свой идеал - возможность единения людей в общем Духовном пространстве, в единомыслии и поиске истины.

В феврале 1856 года в дневнике Толстого появляется запись: «План комедии томит меня». И с этого времени в черновиках, записных книжках, дневниках почти постоянно встречаются упоминания о будущей комедии и варианты ее названия - «Дворянское семейство», «Дядюшкино благословение»… «Главная тема - окружающий разврат в деревне. Барыня с лакеем. Брат с сестрой. Незаконный сын отца с его женой et cetera».

Здесь можно различить влияние не одного только Островского, но и Тургенева, и еще различных биографических обстоятельств (в «Воспоминаниях» Лев Николаевич упоминает давнюю связь своего отца с дворовой девушкой: «От этой связи был сын Мишенька, которого определили в почтальоны и который при жизни отца жил хорошо, но потом сбился с пути и часто уже к нам, взрослым братьям, обращался за помощью. Помню то странное чувство недоумения, которое я испытывал, когда этот впавший в нищенство брат мой, очень похожий (более всех нас) на отца, просил нас о помощи и был благодарен за 10, 15 рублей, которые давали ему»), и перекличку с главными темами и проблемами русской литературы того времени, главным образом дискуссиями о «лишних людях», и, наконец, ощутимую традицию «Разбойников» Шиллера и «Двух братьев» М. Ю. Лермонтова.

Конфликт первой комедии Толстой строил на противоборстве двух братьев - «практического» дельца Анатолия и трагического, привыкшего топить в вине и радость, и горе, Валерьяна. Причем Валерьяну придавались автобиографические черты: уход из университета после проваленного экзамена, увлечение попеременно хозяйством, воинской службой, неразлучное существование с книгой Фихте «Назначение человека», стремление к поиску истины… Так возникал определенный контекст, в который вписывался первый драматургический опыт Толстого.

Контекст более чем обширный! Первая комедия Льва Николаевича Толстого зарождалась в горниле бурно кипевшей русской литературной и театральной жизни середины XIX века - кажется, все основные проблемы, занимавшие общество, Толстой хотел уместить в свою первую комедию, объяв необъятное.

Может быть, оттого и остался этот первый опыт незавершенным, несмотря на подробную разработанность первого акта?

А может быть, еще и оттого, что в том же 1856 году Толстого начала «томить» другая комедия - о женской эмансипации, разъедающей, подобно ржавчине, все вокруг. О женщине, забывшей свое предназначение - строить семью, рожать и воспитывать детей.

«Комедия из Оленькиной жизни» (один из вариантов ее названия - «Свободная любовь») наполнена была ненавистью писателя к «жоржзандизму», на его взгляд, острой форме заболевания для многих русских женщин, ради эмансипации готовых отказаться от исконно женских идеалов. В 1857 году Толстой был в Париже, где смотрел в театре комедии Мольера. Драматургия великого французского комедиографа стала для него, по словам Е. И. Поляковой, «постоянным литературным образцом: ему близка позиция Мольера по отношению к жизни вообще и „ученым женщинам“ в частности, его назидательность и здравый смысл, откровенность стремления к исправлению недостатков общества. „Мольер едва ли не самый всенародный и потому прекрасный художник“, - скажет о нем Толстой, продолжая принципы мольеровской комедиографии».

Здесь у Толстого мы видим то же противопоставление, что и в первой комедии. Скромной провинциалке Оленьке противостоит развращенная столичной жизнью Лидия - испорченная, изломанная, насквозь фальшивая. Она всячески стремится «просветить» неопытную чистую провинциалку, но терпит крах.

Однако вскоре Толстой охладевает к комедии, так и не дописав ее. В чем тут дело? Драматургическая форма явно влечет писателя своими широкими возможностями, завораживает его, но, чем больше растет интерес Толстого к театру (за полтора месяца 1857 года, проведенных в Париже, он посмотрел очень много спектаклей!), тем, вероятно, отчетливее становится страх не овладеть этой формой, не донести до читателя то самое главное, что, по Толстому, необходимо для подлинного театра.

В это время он уже объявлен Некрасовым «великой надеждой русской литературы», уже завершены «Севастопольские рассказы» и зафиксировано главное отличие толстовской прозы от всей русской литературы - «диалектика души» как уникальный способ познания и самопознания его персонажей. Но как, какими средствами придать эту черту театральным персонажам? В прозе существует особая эстетика авторских комментариев, непрерывности мысли, анализирующей поступки.

А в драматургии?

Как достигнуть этого?

Как создать напряжение, в котором не просто родится, а пройдет свой извилистый, сложный, тернистый путь «диалектика души» персонажей?

Эти мысли не могли не занимать Льва Николаевича, как не могли не мешать ему закончить хотя бы одну из двух начатых комедий. Какими бы невымышленными ни были наполнившие их вопросы современной жизни, «диалектика души» не развивалась и не раскрывалась в скупых диалогах персонажей. Овладеть этим секретом Толстой еще не сумел…

Хотя точно знал, чего хочет от произведения для театра: «…сказать нечто важное для людей, об отношении человека к Богу, к миру, ко всему вечному, бесконечному».

В своем исследовании «Русский театр XIX века» В. Ф. Федорова пишет: «К 1860-м годам относятся два его законченных произведения для сцены: „Зараженное семейство“ и „Нигилист“. Обе пьесы на профессиональную сцену не попали».

В «Зараженном семействе» впервые у Толстого звучит чрезвычайно важная для него тема, которая впоследствии выльется в романе «Воскресение» в отточенную, острую, словно клинок, мысль: высшее общество заражено виной перед народом, и вину эту необходимо искупить.

1860-е годы обозначили новый этап в жизни Льва Николаевича Толстого; здесь необходимо в первую очередь назвать его разрыв с «Современником», острую полемику с И. С. Тургеневым. Собственно, в каком-то смысле именно эта полемика и продиктовала Толстому черты персонажей и конфликтные узлы «Зараженного семейства».

Главное событие - приезд в дом нового гувернера, студента, нарушающего безмятежное течение жизни «дворянского гнезда», - заставляет вспомнить «Месяц в деревне». Но лишь вспомнить - о сопоставлении или влиянии речи здесь нет. В «Зараженном семействе» тургеневские персонажи низведены именно до уровня «заразы», тяжелой болезни. Женщины глупы и пошлы, студент груб, нагл, завистлив, и все без исключения равны между собой…

«„Зараженное семейство“ - комедия, написанная графом Толстым, брезгливо рассматривающим молодых разночинцев и дам, устремленных к участию в общественной жизни, - пишет Е. И. Полякова. - Для него нет Базаровых, нет потребности России в новых людях: для него равны в своей ненужности простодушные „отцы“, хозяева старой усадьбы, и их еще более ограниченные дети.

В молодом деятеле, пришедшем на смену старозаветному помещику. Толстой видит лишь выскочку-карьериста… Он пишет „Зараженное семейство“ как памфлет в форме комедии, направленный прежде всего против „новых людей“ и их программы обновления России».

Мысль, еще несколько десятилетий назад казавшаяся бесспорной в общем контексте взгляда на русскую литературу XIX века как исключительно социальное явление, в котором не было места ничему, не совпадающему с прогрессивно-революционными устремлениями писателей-демократов, - сегодня воспринимается совершенно по-иному.

Как бы ни заблуждался граф Лев Николаевич Толстой относительно человеческой природы с ее неустанной тягой к нравственному самосовершенствованию и осознанию вины «высших» перед «низшими», - он был тверд в своей позиции. Истина - не там, где Рахметовы и Базаровы с их картонными идеями и утверждением «клетки» как основы основ (о «клетке» толкует и студент в «Зараженном семействе»), а только там, где Бог, нравственное начало, духовная наполненность. А нравственное начало и духовная наполненность значительно выше и идей эмансипации, и споров о том, что более надобно человеку - сапоги или Пушкин, и проверки человеческого духа умением спать на гвоздях, и еще многого и многого из того, что наполняло русские умы середины столетия.

1860-е годы для Льва Николаевича Толстого - период напряженного поиска истины, невозможной без Бога, то есть без осознания своей вины в том, что происходит с миром и человеком.

Пьеса «Зараженное семейство» стала первой из завершенных пьес Толстого, но, сформулировав очень важную для себя мысль, Толстой все же не сумел придать ей яркую театральную форму: назидательность, отсутствие внятно выраженного идеала, «указующий перст» - все это утяжеляло произведение, лишало его сценичности, необходимой для театра динамичности.

Неслучайно тонко чувствующий театральную природу Александр Николаевич Островский не одобрил «Зараженное семейство». Впрочем, авторское самолюбие опытный драматург пощадил, сказав Толстому, что в пьесе мало действия. Некрасову же писал: «…утащил меня к себе Л. Н. Толстой и прочел мне свою новую комедию; это такое безобразие, что у меня положительно завяли уши от его чтения». А сам Лев Николаевич, спустя некоторое время, писал А. А. Толстой: «Островский - писатель, которого я очень люблю, - сказал мне раз очень умную вещь. Я написал года два тому назад комедию (которую не напечатал) и спрашивал у Островского, как бы успеть поставить комедию на Московском театре до поста. Он говорит: „Куда торопиться, поставь лучше на будущий год“. Я говорю: „Нет, мне бы хотелось теперь, потому что комедия очень современная и к будущему году не будет иметь того успеха“. - „Ты боишься, что скоро очень поумнеют?“»

Эти ли слова, не раз повторенные Толстым в разных письмах, повлияли на его восприятие комедии или внезапно промелькнувшая мысль, что «не поумнеют» никогда? Кто знает… Известно лишь, что очень скоро Толстой к своему драматургическому опыту охладел: он не только стал говорить о «Зараженном семействе»: «плохая комедия», но вскоре вообще забыл как ее содержание, так и время написания. «Зараженное семейство» осталось для своего создателя этаким пустячком, наподобие тех шарад, которые он сочинял в детстве, или пьес для домашнего спектакля в Ясной Поляне…

Для нас же «Зараженное семейство» остается первой завершенной пьесой Льва Николаевича, в которой сформулированы особенности Толстого-драматурга: напряженный поиск пути к Истине через осознание собственной вины и попытки ее искупления.

Лишь два десятилетия спустя Толстой вернется к драматургии.

Это был очень большой отрезок времени для бурно меняющейся жизни России и очень значительный рубеж для самого Льва Николаевича. Интерес к драме как строгой форме литературы не оставлял писателя в эти годы; он много читал и перечитывал Шекспира, Гёте, Пушкина, Гоголя, Мольера. «Я ничего не пишу; но поговорить о Шекспире, о Гёте и вообще о драме очень хочется, - писал он Фету в феврале 1870 года. - Целую зиму нынешнюю я занят только драмой вообще и, как это всегда случается с людьми, которые до 40 лет никогда не думали о каком-нибудь предмете, не составили себе о нем никакого понятия, вдруг с 40-летней ясностью обратят внимание на новый ненанюханный предмет, им всегда кажется, что они видят в нем много нового… Хотелось бы мне тоже почитать Софокла и Еврипида».

По свидетельству Софьи Андреевны, в это время Толстой читал «бездну драматических произведений», вырабатывая и уточняя собственную «теорию драмы». Он ощущал и видел ее все более и более отчетливо и постепенно приходил к мысли, что именно театру необходима та чрезвычайная простота, которая и приведет человечество к спасению. Неслучайно в своих религиозных трактатах Толстой постоянно повторяет: «Все учение Иисуса только в том, что простыми словами повторяет народ: спасти свою душу».

В дневниках 1870 года Толстой много размышляет о природе драмы: «Сколько бы ни говорили о том, что в драме должно преобладать действие над разговором, для того, чтобы драма не была балет, нужно, чтобы лица высказывали себя речами.

Тот же, кто хорошо говорит, плохо действует, и потому выразить самого себя герою словами нельзя. Чем больше он будет говорить, тем меньше ему будут верить. Если же будут говорить другие, а не он, то и внимание будет устремлено на них, а не на него.

Комедия - герой смешного - возможен, но трагедия при психологическом развитии нашего времени страшно трудна…

Русская драматическая литература имеет два образца одного из многих и многих родов драмы: одного, самого мелкого, слабого рода, сатирического, „Горе от ума“ и „Ревизор“. Остальное огромное поле - не сатиры, но поэзии - еще не тронуто».

После переезда семьи в новый дом в Хамовниках, на московской окраине, Толстой начинает особенно пристально наблюдать за «фабричным людом». Он видит их работу и их гулянья, пытается понять, что же нужно этим людям, и приходит к выводу, что их поиск наслаждения, отдохновения диктует создание принципиально иного театра. Не просто балагана, а сложного, нравоучительного действа, сочетающего в себе традиции фольклора, народного ряжения, игр.

В 1884 году Толстой начинает работать над пьесой «Петр Хлебник», в которой намеревается переложить для театра популярное житие Петра Мытаря, который вел жизнь грешную и праздную, а потом прозрел, роздал имение нищим и стал жить по-иному.

Нетрудно различить здесь воззрения и поступки самого Льва Николаевича, именно в это время «опростившегося» и раскаявшегося в прежней жизни. Проповедь нового мировоззрения Толстого составила основу пьесы «Петр Хлебник», что дало возможность исследователю К. Ломунову писать о том, что «личный биографический мотив вторгается в лубочную пьесу, разрушает ее однозначность» (речь идет о второй части «Петра Хлебника», где повествуется о семейных конфликтах Петра с непонимающими его близкими).

И этой пьесе не суждено было быть завершенной. План и наброски ее Лев Николаевич вложил в том же 1884 году в книгу и - забыл об этом. Спустя десять лет в Ясной Поляне затеивался народный спектакль, Лев Николаевич продиктовал дочери подробный конспект, позволявший широко импровизировать пьесу, но спектакль так и не состоялся, а первоначальные наброски «Петра Хлебника» были обнаружены лишь в 1914 году…

Несмотря на то, что Толстой «забыл» о своей народной пьесе и даже не завершил ее, мысль о театре для народа не оставляла его. Размышляя о том, какими должны быть истинно народная драма, истинно народный театр, Толстой в 1886 году быстро и увлеченно пишет маленькую пьесу «Первый винокур, или Как чертенок краюшку заслужил» - о пьянстве как губительной, дьявольской силе, направленной на отупление и истребление народа.

Сюжет этой пьесы-притчи по-лубочному прост и внятен: вначале перед нами предстают положительные крестьяне - они разумны, домовиты, трезвы и могут ограничиться тем немногим, что необходимо им в повседневной жизни. Но вот чертенок научает их варить зелье, они пьют и теряют облик человеческий. На понятном каждому языке сказки Толстой говорит: был мужик беден и работящ - был он божеским созданием, но поддался искушению, разбогател и попал во власть дьявола. Торгуя «дьявольским зельем», он и других тянет за собой в пропасть, потому что, опьянев, люди теряют свою душу, звереют, отдаются соблазнам…

Эту пьесу ожидала относительно счастливая судьба: хоть и с большим количеством правки и купюр, но она была быстро издана и поставлена в балаганно-народном театре при Императорском фарфоровом заводе.

В газете «Неделя» 27 июля 1886 года отмечалось: «До сих пор на этой сцене давалась такая же дребедень, какая составляет обычный репертуар балаганных представлений вообще. Но на днях была сделана попытка придать „народному театру“ большее значение, чем он имел до сих пор со своими балаганными пьесами: была поставлена комедия графа Льва Толстого „Первый винокур“. Несмотря на ненастную погоду и накрапывавший дождь, смотреть пьесу собралось более 3000 рабочих».

Правда, представление состоялось лишь один раз - цензура запретила «Первого винокура». Но все же… все же Лев Николаевич Толстой мог радоваться первому своему успеху.

Он и радовался ему, и уповал на продолжение - свидетельством тому могут служить создание в Москве народного театра М. Лентовского «Скоморох» и стремление петербургского актера П. Денисенко создать подобный театр в Петербурге и издавать журнал, посвященный проблемам театра для народа. И Лентовский, и Денисенко почти одновременно обратились к Льву Николаевичу за «нравственной поддержкой», и Толстой отвечает петербургскому актеру с большим воодушевлением: «Дело, занимающее вас, - народный театр, очень занимает и меня. И я бы очень рад был, если бы мог ему содействовать; и потому не только очень буду рад тому, что вы переделаете мои рассказы в драматическую форму, но и желал бы попытаться написать для этого прямо в этой форме…

Отдайтесь все этому делу и, не раздумывая, не готовясь прямо, перекрестясь, прыгайте в воду; то есть переделывайте, переводите, собирайте (я сейчас напишу) пьесы такие, которые имели бы глубокое вечное содержание и были понятны всей той публике, которая ходит в балаганы, и ставьте их, и давайте, где можно - в театрах ли, в балаганах ли. - Если вы возьметесь за это дело, я всячески - и своим писаньем, и привлечением к этому делу людей, которые могут дать средства для затрат (если это нужно), буду служить этому делу. - Но дело само по себе огромного значения и доброе божье дело; и непременно, пойдет и будет иметь огромный успех».

Ничего из этой затеи не вышло - ни театра, ни журнала. «Скоморох» Лентовского тоже не обнаружил тяги к пьесам «глубокого вечного содержания». Но увлечение Толстого идеей создания подлинно народного театра «в театрах ли, в балаганах ли» - не прошло. Оно вылилось в полноценную пьесу, подлинное драматургическое создание - «Власть тьмы».

…Давний знакомый Толстого, тульский прокурор Н. В. Давыдов еще в 1880 году рассказал Льву Николаевичу о преступлении, совершенном неподалеку от Ясной Поляны.

«В бытность мою прокурором в Туле меня поразило своей обстановкой одно крестьянское дело о детоубийстве, рассматривавшееся в окружном суде, - писал он позже в воспоминаниях. - Это было дело об убийстве новорожденного ребенка одной крестьянской девушки отцом ребенка, состоявшим в свойстве с девушкой, проживавшей в одной семье и доме с ним. Особенность этого дела, кроме драматической обстановки самого убийства, составляло поведение убийцы, который сам, мучимый угрызениями совести, заявил публично об учиненном им преступлении, а впоследствии жаждал суда и наказания, которым, хотя он был приговорен на каторгу, он остался доволен, видя в наказании искупление своего греха, находя в нем успокоение и возможность дальнейшей жизни. Я подробно ознакомил Льва Николаевича с обстоятельствами дела, которое, как я и ожидал, весьма заинтересовало его; он виделся в тюрьме с осужденным и затем, вскоре же, написал первое свое драматическое произведение, в котором несколько изменил обстановку дела, прибавив обстоятельство отравления первого мужа Марфы Колосковой».

Простим прокурору незнание того долгого пути, который прошел Толстой к «Власти тьмы», - пути, растянувшегося на два десятилетия. В конце концов, не это важно. Важно, что, «заболев» сюжетом, точно совпадавшим с мыслью Толстого о грехе и необходимости его искупления, Лев Николаевич создал подлинно народную драму, о которой сам он с гордостью сообщал А. А. Стаховичу: «Или я давно ничего не писал для театра, или действительно вышло чудо, чудо!..»

Лев Николаевич признавался, что для «Власти тьмы» он «ограбил» свои записные книжки, пустив в ход все: речения, пословицы и прибаутки яснополянских мужиков, присловье горничной «однова дыхнуть», подслушанные бабьи перебранки, городские словечки тех, кто ходил на «чугунку»… Пригодились и дело Ефрема и Марфы Колосковых, и просьба старичка, пришедшего в Ясную Поляну: «Ваня мой, тае, на чугунке в ремонтерах служил, а Маришка кухарила. Было ли промеж них что, нет ли, должно, что было. Только Маришка, тае, забрюхатела. Я и говорю Ване: женись, а он рыло ворочает… Я к твоей милости, ублагоразумь Ваню».

Работа шла на удивление быстро, хотя Толстой, остро ощущая различия в работе над прозой и драмой, признавался: «Роман и повесть - работа живописная, там мастер водит кистью и кладет мазки на полотне. Там фоны, тени, переходные тона; а драма - область чисто скульптурная. Работать приходится резцом и не класть мазки, а высекать рельефы… Всю разницу между романом и драмой я понял, когда засел за свою „Власть тьмы“. Поначалу приступил к ней с теми же приемами романиста, которые были мне более привычны. Но уже после первых листиков увидел, что здесь дело не то. Здесь, например, нельзя подготовлять моменты переживаний героев, нельзя заставлять их думать на сцене, вспоминать, освещать их характер отступлениями в прошлое - все это скучно, нудно и неестественно. Нужны уже готовые моменты. Перед публикой должны быть уже оформленные состояния души, принятые решения».

На самом деле в этой достаточно известной цитате сформулированы постулаты нового театрального языка - открытия Толстого-драматурга. С одной стороны, «Власть тьмы» представляет собой почти в чистом виде Аристотелеву трагедию со своей основной задачей потрясти и очистить душу зрителя, с другой же - бытовую драму, в которой нет места аллегории, сказочности, но есть множество жизненных подробностей, деталей быта и присутствует назидательность.

Полное название пьесы «Власть тьмы, или Коготок увяз, всей птичке пропасть» - многозначно; первая его часть заимствована из Евангелия («Теперь ваше время и власть тьмы», - говорит Христос стражникам, пришедшим за ним), вторая являет собой одну из пословиц, которыми так щедро пользовался Толстой в названиях своих назидательных рассказов. А потому, как верно замечает Е. И. Полякова, «современную трагедию он видит пьесой-проповедью, пьесой-притчей о великом грешнике. Это уже не простенькая притча о вреде пьянства, но именно трагедия, воплощение судьбы человека, погубившего свою жизнь. Она предназначена народному театру, будь то театр Денисенко, или Лентовского, или балаганы Девичьего поля. Зрителям этого театра адресуется поучение и назидание, всем понятное, обозначенное в полном названии».

И здесь необходимо заметить, что первая часть названия - «Власть тьмы» - выражает не только религиозную мысль Толстого, но и философскую: неслучайно одновременно с этой пьесой задумана другая, с условным названием «Свет мира» (впоследствии она будет названа евангельской фразой «И свет во тьме светит»). Для Толстого «тьма» - понятие нравственное: власть диких, слепых, звериных инстинктов над человеком, не находящим в себе сил для противостояния, потому что тьма эта наступает на него не только из внешнего мира, но и из внутреннего, захваченного в плен дьяволом. Эта трагедия распавшихся устоев, вековых традиций нравственной (а значит - естественной) жизни, и понятие «греха» предстает во «Власти тьмы» многозначно и, главное, «заразительно», завораживающе.

Грех для Толстого не есть некий безнравственный поступок. Грех для него - затягивающий в свое нутро процесс, который разрастается, подобно диким зарослям, охватывая все большее и большее пространство душ человеческих. Это тяжкая цепь, это безысходность… Но, как отмечает Е. И. Полякова, «Власть тьмы» - это и «трагедия нравственного возрождения, где свет побеждает тьму, потому что каждый человек имеет возможность раскаяния и просветления».

Впрочем, здесь можно было бы и поспорить с исследователем. Возможность «раскаяния и просветления» Толстой дарит в полной мере лишь Никите, но не Анисье и не Матрене.

Не потому ли, что Никита шел на поводу тех, кто жестоко обдумал свои безнравственные поступки и попытался избежать последствия страшных грехов: отравления мужа, убийства новорожденного ребенка? На поводу тех, кто готов был продолжать жить дальше, неся на себе эти грехи?

А, может быть, потому, что здесь сказалось то, давнее отношение Толстого к эмансипированным женщинам, забывшим свой долг?

Сложно было бы причислить Анисью или Матрену к «жоржзандкам», но их природная дремучесть привела, фактически, к тому же, к чему давно пришли их городские эмансипированные предшественницы: к жизни, не ведающей, что есть грех…

В том же 1886 году «Власть тьмы» была опубликована и вызвала бурю эмоций. «Это такая потрясающая правда, такая беспощадная сила воспроизведения жизни», - говорил Толстому И. Репин, выражая мнение почти всех современников. Надо было, чтобы прошли десятилетия, чтобы возникла необходимая временная дистанция, с которой многое видится куда более отчетливо, чтобы в 1908 году, в дни восьмидесятилетия Толстого, Корней Чуковский сказал: «Толстой как бы контрабандой провозит под флагом отрицания жизни то, что на самом деле есть жадность к жизни и стремление зачерпнуть еще, и еще, и еще, целыми пригоршнями от бегущего, как река, бытия.

Это единственный пример в мировой литературе. Часто бывало наоборот: когда вещи тенденциозные и дидактические выдавались за художественные создания. Но чтобы художественные создания за дидактические - это произошло только с Толстым, который не мог не быть художником, даже против собственной воли».

Во «Власти тьмы» явлен сложнейший сплав таких понятий, как социальная среда, класс, личность. Казалось бы, они прочно связаны между собой, но Толстой совершенно справедливо настаивает на том, что они лишь во многом определяют друг друга, но не растворяются одно в другом. Для современников Толстого «власть тьмы» стала понятием сугубо социальным, потому что народ оказался ввергнут в нищету, бесправие и невежество и в этой беспросветной тьме родились и начали крепнуть инстинкты, живущие в душе каждого человека. На ниве общего невежества они взросли пышным цветом - страсть к наживе, к пьянству, к утолению самых низменных потребностей - и привели к целой цепочке преступлений. Социальных? Разумеется. Но вряд ли были бы у нас основания называть драму Толстого гениальной, если бы она замыкалась только в этом круге знакомых социальных проблем.

Неслучайно, используя в своей пьесе сюжет, рассказанный ему тульским прокурором, Толстой еще больше сгущает краски, фактически удваивая каждое из совершенных преступлений: Никита сначала прелюбодействует с женой Петра, потворствуя убийству больного мужа, затем, женившись на Анисье, грешит с ее юной падчерицей и, кажется, не прочь развратить и Анютку, а затем совершает самое страшное преступление - убийство младенца… Первый грех тянет за собой второй, третий - из этого круга вырваться уже невозможно.

А потому «Власть тьмы» - это явление, которое значительно шире социально-экономических определений. М. Бахтин справедливо отмечал, что власть, порожденная экономическим и политическим гнетом, «исторически сложившаяся и потому исторически же упразднимая. Нет, Толстой имеет в виду вечную власть зла над индивидуальною душою, которая однажды согрешила… И победить эту тьму может только свет индивидуальной совести».

Свет, который «и во тьме светит».

Впрочем, и здесь, во «Власти тьмы» обнаруживаются характеры чистые, светлые: Аким, Анютка, Марина… Они ничего не в силах изменить в окружающей реальности, они вынуждены страдать, храня свою чистоту в охватившем все вокруг пожаре греха, но они, в сущности, и есть идеал Толстого - те робкие светлячки, что разрывают беспросветность мрака…

По поводу своего отношения к Богу как понятию Толстой писал однажды: «Вам как будто претит слово и понятие Бог… Отец. Бог с ним - с Богом, только бы то, что требует от нас наша совесть (категорический императив - слишком уж неясный и неточный термин), было бы разумно и потому обязательно и обще всем людям. В этом вся задача и задача эта вполне разрешена (для меня) Христом или учением, называемым христовым. Не я буду отстаивать метафизическую сторону учения. Я знаю, что каждый видит ее метафизическую сторону сквозь свою призму. Важно только то, чтобы в этическом учении все неизбежно, необходимо сходились. А за свои слова и выражения, и ошибки я не стою. Дорого мне то, что и вам дорого - истина, приложимая к жизни».

Этой истиной и был для Толстого в первую очередь Аким, центральный образ трагедии, несмотря на то, что действенными, сюжетообразуюшими являлись другие персонажи.

Написанная для народа, для народного театра, «Власть тьмы» сразу же была запрещена цензурой. Начались было репетиции в Александринском театре, но уже в марте 1887 года заведующий труппой драматург А. А. Потехин огорченно писал Толстому: «„Власть тьмы“ срепетирована, декорации, костюмы все готовы, и вдруг запретили ее играть через министерство двора».

Но трагедия, казалось бы, не особенно внятная за пределами России, оказалась востребованной во Франции - в 1888 году в только что созданном «Свободном театре» в Париже состоялась премьера «Власти тьмы». Акима играл создатель и руководитель «Свободного театра» Андре Антуан, увлеченный идеей «натуралистического театра», максимально близкого к реальности, с одной стороны, и «родственностью греческой трагедии» - с другой.

Вскоре «Власть тьмы» начала свое поистине триумфальное шествие по подмосткам Дрездена, Милана, Копенгагена, Будапешта, Загреба, Мюнхена (где в 1898 году спектакль шел в декорациях И. Грабаря и Д. Кардовского)… В том же 1898 году в Петербурге гастролировал итальянский театр, показавший «Власть тьмы». Интересное свидетельство об игре великого Эрмете Цаккони оставил А. С. Суворин: «Я видел г-на Цаккони во „Власти тьмы“. Я думал, что Никита будет сильно отдавать итальянцем. Оказалось, что он сыграл русского Никиту и притом так, что любо-дорого было смотреть. Если итальянец в нем слышался, то не более того, как слышится русский в русском даровитом актере, когда он играет иностранца… Надо сказать, что и итальянки играли хорошо, особенно Анисья (г-жа Алипранди-Паф). Анютку играла взрослая актриса (г-жа Варини). Она схватила детский тон, а в той сцене, когда она пугается и бежит на печь, к Митричу, она играла прекрасно и ощущение ужаса передавалось зрителям. Я на русской сцене этого не видел нигде».

Анютку мечтала сыграть в свой бенефис М. Г. Савина, но разрешения так и не было. За это время лишь однажды актерам-любителям удалось сыграть «Власть тьмы» в доме А. В. Приселкова (спектаклем руководил артист Александринского театра В. Н. Давыдов). Но зато после того, как запрет был снят, почти одновременно в Москве и Санкт-Петербурге состоялось пять премьер - случай беспрецедентный! «Власть тьмы» показали оба императорских театра - Александринский и Малый, «Скоморох» М. Лентовского, Театр Корша, петербургский Театр Литературно-артистического кружка…

В 1902 году к пьесе «Власть тьмы» обращается К. С. Станиславский.

Именно с этого спектакля и начинается триумфальная сценическая история «Власти тьмы», продолжающаяся по сей день.

Одновременно с «Властью тьмы» Льва Николаевича захватила другая тема - яркая, комедийная, в которой нашла выражение «другая сторона» его души.

21 июня 1887 года Софья Андреевна записала в дневнике: «Вчера вечером приезжал познакомиться с Львом Николаевичем актер Андреев-Бурлак. Он рассказывал вроде рассказов Горбунова, из крестьянского быта… Рассказы были удивительно хороши, и Левочка так смеялся, что нам с Левой стало жутко».

Татьяна Львовна Толстая вспоминает, каким радостным бывал Лев Николаевич, когда работа его шла успешно: он мог, например, к изумлению окружающих, перепрыгнуть через стул, а еще любил игру в «нумидийскую конницу». Когда от Льва Николаевича уходил какой-нибудь особенно скучный посетитель, все присутствующие под водительством Толстого должны были вереницей проскакать по комнатам с поднятой рукой и самым что ни на есть серьезным выражением лица. Смеяться дозволялось только после того, как конница обскачет весь дом.

И вот эта-то сторона души и потребовала «к священной жертве» талант писателя, придумавшего сюжет, с одной стороны, развивавший традиции классической комедиографии, с другой же - абсолютно новый, никем прежде не использованный. В плане сюжетов рядом с «Властью тьмы» в 1886 году рукой Толстого обозначено: «Комедия Спириты».

Е. И. Полякова предполагает, что запись эта была сделана после посещения спиритического сеанса в доме московского барина Н. А. Львова на Смоленском бульваре, куда Толстой отправился со своим давним знакомым, бывшим тульским прокурором Н. В. Давыдовым. Давыдов вспоминает, что Лев Николаевич заранее был настроен весьма скептически по отношению к тому, что предстояло увидеть: удивлялся, как люди могут верить в реальность спиритических явлений; ведь это все равно что верить, «что из моей трости, если я ее пососу, потечет молоко, чего никогда не было и быть не может».

Сеанс не удался - раздавались какие-то стуки, мерцали огоньки, но духи к общению были не расположены. Впрочем, это не так важно. Значительно важнее, что посещение спиритического сеанса утвердило Толстого в выборе «объекта комедии». Но до ее окончательного оформления должно было пройти время - слишком захвачен оказался Лев Николаевич «Властью тьмы», потому он делает лишь наброски комедии о господах-спиритах и мужиках под названием «Исхитрилась!».

Только весной 1889 года, живя в подмосковном имении своего давнего друга князя С. С. Урусова, Толстой завершает комедию: «Кончил комедию, очень скверно», - записывает он в дневнике.

Может быть, это ощущение возникает у Льва Николаевича оттого, что он уже захвачен «Крейцеровой сонатой», а затем повестью «Дьявол»? Комедия не вписывается во внутренний настрой Толстого, а потому и не воспринимается им самим как искрометное, действительно очень смешное и поучительное одновременно произведение.

Учитель сыновей Л. Н. Толстого, Алексей Митрофанович Новиков, вспоминает, как вернулась из-за границы к Новому, 1890 году Татьяна Львовна и сразу начала что-то затевать, чтобы расшевелить яснополянских обитателей. Решили сыграть домашний спектакль, выбрали популярную пьесу А. Канаева «Бабье дело», но пьеса не увлекла.

«Видя нашу с Татьяной Львовной неудачу в выборе пьесы, Мария Львовна обратилась ко мне:

А вы читали пьесу папа?

- „Власть тьмы“?

Нет, другая. Я видела ее между бумагами.

Я насторожился:

Достаньте, пожалуйста.

Хорошо, погодите. - Мария Львовна отправилась в кабинет…

Тотчас же после прочтения первого действия нами с Татьяной Львовной было решено непременно поставить эту пьесу, а после третьего (последнего) мы уже разделили пьесу для переписки ролей и стали распределять роли между знакомыми. Появился Толстой, - оказалось, что он слушал чтение, оставаясь невидимкой в будуаре, - медленной походкой подошел к столу.

Что вы тут делаете?

Вот распределяем роли…

Толстой пожевал губами и молча отошел».

30 декабря состоялся спектакль, в котором были заняты и дети Толстого, и гости из Москвы и Тулы. Режиссировал Николай Васильевич Давыдов (он же играл профессора). И в какой-то момент Толстой не выдержал, пришел на репетицию. Молодой юрист Владимир Михайлович Лопухин сыграл Третьего мужика.

«На Льва Николаевича моя игра, видимо, произвела впечатление, превышавшее мои ожидания, - вспоминал впоследствии Лопухин. - Он ею был удовлетворен, и это удовлетворение выразилось в такой почти детской его радости, которая совершенно смутила меня. Он смеялся до слез, оживленно делился своими суждениями с окружающими, ударял себя ладонями по бокам и добродушно, по-мужицки, мотал головой.

Он подошел ко мне.

Знаете ли, - сказал он, - я всегда упрекал Островского за то, что он писал роли на актеров, а теперь вот я его понимаю: если бы я знал, что Третьего мужика будете играть вы, я бы многое иначе написал: ведь вы мне его объяснили, показали, какой он; надо будет изменить.

И Лев Николаевич взял рукопись и пошел ее переделывать».

С той поры и утвердилось мнение, что «Плоды просвещения» - пьеса, созданная исключительно для домашнего спектакля в Ясной Поляне. В это искренне верил и К. С. Станиславский, выбравший именно эту пьесу (и инсценировку «Села Степанчикова» Ф. М. Достоевского) для открытия в 1891 году московского Общества искусства и литературы, с возникновения которого мы исчисляем период обновления отечественной сцены. И не только мы - сам Константин Сергеевич в книге «Моя жизнь в искусстве» главу, посвященную этой постановке, называет «Первая режиссерская работа в драме».

Спектакль, разыгранный в Ясной Поляне 30 декабря 1889 года, заставил Толстого переработать первоначальный вариант комедии - что-то уточнить, добавить, что-то заострить. Знаменательны пометки в дневнике: «Очень низкое и увлекающее занятие». Да, для философа и проповедника комедия, естественно, представляет собой низменное занятие, но для мастера, художника - невероятно увлекательное! Ведь после первых репетиций, после столкновения с живыми артистами-любителями, многое для Льва Николаевича прояснилось в работе над драматургическим произведением. Или - еще одна запись: «Странное дело эта забота о совершенстве формы. Недаром она… Напиши Гоголь свою комедию грубо, слабо, ее бы не читали и одна миллионная тех, которые ее читают теперь. Надо заострить художественное произведение, чтобы оно проникло. Заострить и значит сделать ее совершенно художественно - тогда она пройдет через равнодушие и повторением возьмет свое».

ГЛАВА VIII Тип Американца Толстого в русской литературе (у Грибоедова, Пушкина, Льва Толстого и других) Как яркий тип, Американец Толстой привлекал русских писателей и послужил материалом для нескольких их произведений. С другой стороны, из этих произведений можно